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Enrique Alvarez del Castillo
Enrique Alvarez del Castillo
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01 Abril 2015 04:00:04
¿Cómo dijo herr Führer?
Finalmente a alguien se le ocurrió la gran idea de producir una cinta como “The Imitation Game”, en donde la historia se desarrolla en medio de la Segunda Guerra Mundial, y en lugar de utilizar al típico protagonista galanazo con cachetes de nalguita de bebé haciéndola de súper soldado, aparece un personaje con un perfil mucho más humano y cercano a la vida real.

Aunque esta película, dirigida por Morten Tyldum, no se desarrolla en medio de los plomazos, el conflicto bélico sí es el eje central de la trama, de donde se desprenden las necesarias minihistorias secundarias que le dan un poco más de “cuerpo” a la trama.

Por supuesto no podía faltar la historia de amor metida con calzador, que al menos en esta ocasión se toca de manera distinta, al narrar una relación imposible entre el personaje interpretado por Keira Knightley y Benedict Cumberbatch, cerebrito solterona urgida de casarse y genio matemático que batea con la zurda, respectivamente.

Haciendo un recuento, al final de la cinta son buenas las actuaciones de ambos actores, quienes comparten créditos con Matthew Goode, Allen Leech y Mattew Beard, quienes conforman el equipo de nerds que en algún momento de la historia, literalmente, salvan a la humanidad del poderío de la Alemania de Hitler, ya que esta cinta está basada en hechos reales y personajes que en realidad existieron e hicieron que el
Führer hiciera buches con piedritas.

Alexandre Desplat es el compositor a quien le fue encargada la labor de musicalizar “The Imitation Game”, después de haberse ganado el respeto de los productores por su extenso currículum en el mundo del cine, que comenzó en la década de los 80, principalmente en producciones de manufactura francesa.

Pero con el paso del tiempo y sobre todo con una carga de trabajo en la que se pueden contar hasta 10 soundtracks realizados en el mismo año, Desplat llegó a la meca del cine.

El trabajo de este músico parisino se pudo apreciar en las dos entregas “Harry Potter and the Deathly Hallows” y la lastimosa y súper puberta “The Twilight Saga: New Moon”, pero como no todo en esta vida puede ser tan malo, el compositor se sacó la espina de haber trabajado para los vampiros metrosexuales y los hombres lobo depilados para musicalizar “Argo” y “The Grand Budapest
Hotel”.
12 Marzo 2015 04:00:28
¡Qué viajesote!
Son ya tres décadas desde que el visionario Steven Spielberg atrapó las miradas en todo el mundo gracias a la trilogía protagonizada por Michael J. Fox y Christopher Loyd, quienes eran mejor conocidos en la saga de “Back to The Future” como Marty Mac Fly y el Dr. Emmett Brown, personajes a los que el realizador hizo viajar en el tiempo en su famoso “flying DeLorean”.

En esos mismos años fue cuando Arnold Schwarzenegger encarnó a Terminator, androide un tanto agresivo y terco que regresó al pasado para intentar escabecharse al futuro héroe de los humanos en la guerra contra las máquinas.

Por supuesto que han habido cientos de títulos que hacen referencia a los viajes en el tiempo, aunque no todos han resultado ser tan atractivos para el público como “Edge of Tomorrow”, que con el sólo hecho de aparecer en pantalla Tom Cruise rodeado de efectos especiales, asegura el éxito en taquilla.

En esta temporada toca el turno del director Dean Israelite para presentar su propuesta y visión sobre esta hipotética manera de viajar en “Project Almanac”, título original de la cinta espantosamente traducido como “Bienvenidos al Ayer” para tratar de hacerlo “un poco más atractivo” para el público “región 4”.

El hecho es que en general resulta ser una película divertida, sobre todo para quienes forman parte de la generación que disfrutó de la década de los 80, ya que parece una producción de aquellos años, sólo que con diseño y efectos acorde a nuestra época.

El reparto lo conforman Jonny Weston, Sofia Black-D’Elia, Sam Lerner, Allen Evangelista y Virginia Gardner, que si bien no son las superestrellas de Hollywood, han hecho aparición en varias series de televisión norteamericanas y algunos cortometrajes principalmente, sin embargo, después de “Project Almanac”, cada uno de ellos han firmado contratos para próximas películas de mayor envergadura.

En cuanto al sound-track se refiere, está conformado por una recopilación de temas de bandas como Jamie N Commons and X Ambassadors, Fink, Sweatshop Union y Billy The Kid e Imagine Dragons, siendo estos últimos quienes hacen una aparición durante la cinta durante su presentación en Lollapalooza en 2013, gran acierto de MTV Films.
25 Febrero 2015 04:00:22
50 fallas de Grey
Así como los chistes que se explican mucho y pierden toda gracia, del mismo modo le pasó a “Fifty Shades of Grey”, la tan esperada novela de la británica E. L. James que fue llevada al cine por la directora Sam Taylor-Johnson y que ya desde el anuncio de su estreno alborotó las hormonas de millones de féminas en todo el mundo.

Resulta que la cinta, en términos generales, se queda corta a las expectativas de la audiencia que esperaba ver más “acción” de parte de los protagonistas, además de haber resultado un tanto decepcionante la elección de Jamie Dornan para encarnar al “Mauricio Garcés” norteamericano. Quien si se la rifa en el papel de “mosca muerta” es Dakota Johnson al interpretar a Anastasia Steele, una inocente florecilla del campo que se convierte en una femme fatale que gusta del sadomasoquismo gracias a los “encantos” de Grey (no crean que el auto nuevo de regalo, el viaje en helicóptero y el súper departamento influyeron en su interés en él). La realizadora del filme comprobó lo difícil que resulta llevar a la pantalla grande un best seller, ya que quienes han leído el libro tienen un concepto muy claro de lo que esperan ver durante la función.

Taylor-Johnson solamente había hecho algunos cortos como “Misfit”, “Love You More” y “James Bond Supports International Women’s Day” además de un par de participaciones en otras películas, así que a pesar de las inconformidades de los seguidores de la franquicia, es un buen debut como directora de una producción importante.

Quien hizo una escala entre Wonderland y la tierra de Oz para aterrizar en Seattle, en donde se desarrolla la trama de la película pseudo cachonda en cuestión, fue nada menos que el reconocido músico y compositor Danny Elfman, quien elaboró una excelente banda sonora, siempre con un tono elegante que enmarca cada una de las escenas de la cinta y que merece la pena escuchar.

Uno de los grandes aciertos mercadológicos fue por supuesto la gran polémica en torno al estreno de la cinta, con su tan cuestionada clasificación “C” y la exagerada censura en los complejos cinematográficos, en donde portar identificación fue uno de los requisitos para vender un boleto para ver esta producción, que no muestra más escenas candentes que cualquier telenovela chafa del canal 2, para decepción de las mujeres que asistieron en grupo a ver a Jamie Dornan sin camisa.
12 Febrero 2015 04:00:03
Como Tacuvo en primavera
Hace algunos días Ernesto Contreras, quien ha destacado haciendo cortometrajes y documentales para televisión, presentó “Las Oscuras Primaveras”, cinta protagonizada por una muy desmejorada Cecilia Suárez, José María Yazpik, quien encarna a un obrero calenturiento, y por último, y como en todas las películas mexicanas y hollywoodenses no podía faltar el personaje “encueratriz” que en esta ocasión toca el turno de interpretarlo a Mariana Buerelli, actriz rescatada de la pantalla chica.

La película tiene una trama que envuelve al espectador a pesar de que en general es fácil adivinar el desenlace fatídico al que los personajes llevan la historia, cosa que probablemente sea una de las causas de la falta de interés del público por las películas nacionales.

Definitivamente la banda sonora es digna de aplausos, ya que corrió a cargo de Ramiro del Real y Emmanuel del Real, éste último mejor conocido como “Meme”, tecladista de la banda Café Tacvba.

Pero no sólo el soundtrack vale la pena escuchar, sino también “No Puedo Parar”, track inédito que el tacubo grabó especialmente para este largometraje, que sin duda es uno de los grandes aciertos mercadológicos que rodean a “Las Oscuras Primaveras”.

Esta producción resulta ser la mejor propuesta de la temporada en cuanto a cine mexicano se refiere, a pesar de la evidente escasez en su presupuesto y de algunas fallas de los actores al momento de interpretar sus respectivos personajes, puntos en contra que pasan inadvertidos cuando se disfruta de una buena compañía y de los comentarios posteriores a la
función.
28 Enero 2015 04:00:45
Como patitos de feria
Desde que Rambo apareció en la pantalla grande agarrándose a plomazos con cientos de policías, se han contado innumerables historias sobre el típico gringo super héroe anónimo que parece más ser tan inmortal e indestructible que el mismísimo Terminator.

Ahora el director David Ayer presenta “Fury”, cinta que se ubica en medio de la “Segunda Estupidez Mundial” y los hechos que rodearon a la Alemania Nazi, en donde narra la historia de un grupo de soldados norteamericanos que eliminan a cientos de enemigos como si fueran patitos de feria.

Una historia por demás gringa y predecible en donde Brad Pitt se muestra una vez más con un look rudo y sucio como si fuera una versión retro de su personaje en “World War Z”, y que por supuesto resulta ser el héroe a quien, parece ser, no existe bala que le pueda hacer un agujero.

Lo que resulta más inverosímil de esta película es el ver cómo un chavito que fue reclutado como mecanógrafo se convierte en un poco más de dos horas que dura la cinta, en un soldado sanguinario y lleno de “odio jarocho”, personaje interpretado por Logan Lerman, mejor conocido por su papel como Percy Jackson.

Uno de los roles destacados de esta producción bélica es, sin duda, el que hizo Michael Peña, quien encarnó a Trini “Gordo” García, un “paisa” que por azares del destino fue a dar al frente germano y se volvió pieza clave del equipo que mueve las tripas de “Fury”, el tanque de guerra que así bautizaron sus tripulantes.

Como buena cinta hollywoodense no podía faltar el atractivo visual y el toque femenino para lo que en esta ocasión fue llamada Alicia von Rittberg, actriz alemana que tiene una corta, pero buena participación en la cinta, dándole vida a Emma, una refugiada que los soldados encuentran en un pueblo devastado por los soldados y que se convierte en el motivo por el que el chavito protagonista ridículamente se transforma en asesino de nazis al por mayor.

En cuanto al soundtrack hay poco que decir, ya que simplemente cumple con su función de ambientar, pero no deja de ser interesante el trabajo que el compositor Steven Price viene haciendo desde “Gravity” y algunos documentales y cortometrajes, así como su participación en otras grandes producciones como parte del equipo de producción musical.

“Fury” resulta una cinta de las que, si bien creó una gran expectativa por sus vistosos trailers, resulta otra película de guerra gringa más para la lista.
14 Enero 2015 04:00:09
La misma gata, pero revolcada
Uno de los recursos más recurrentes que supone, asegura el éxito en taquilla de alguna cinta de mediana manufactura, es el de hablar de algún personaje famoso en una cinta biográfica contada a medias por falta de tiempo y desde el punto de vista del realizador, así como se hiciera hace poco con “Cantinflas” y su protagonista gachupín.

En su debut como director y productor, Christian Keller lleva a la pantalla grande “Gloria”, película con la que intenta de alguna manera hablar sobre los des... manes de “la Trevi” y Sergio Andrade, historia que, por supuesto, está más que platicada, sólo que ahora el hecho de verla en el cine resulta atractivo para algunas personas.

Sofía Espinosa es a quien se le confió encarnar a este personaje salido directamente de las filas de “Siempre en Domingo”, y quien libra de una manera muy decorosa y convincente la interpretación de esta artista mexicana.

La actriz ha colaborado principalmente en cortometrajes y series de televisión desde 2004, cuando hacía sus pininos en este rollo de la actuada. Finalmente aceptó participar en cintas como “Vete Más Lejos Alicia”, “Asteroide” y “Los Bañistas”, lo que valió la confianza de los productores para así incluirla en el elenco de “Gloria”.

Es por demás mencionar que el soundtrack principalmente está hecho con la música de la cantante del “pelo suelto”, pero también existe una banda sonora que enmarca las escenas de la cinta, obra realizada por Lorne Balfe, quien es todo un “lobo de mar” en este asunto de la música para cine.

Este músico irlandés se ha mantenido activo desde hace 14 años cuando comenzó haciendo la partitura de documentales para televisión como “Child of Our Time”, “Package Holiday Undercover” y
“Artworks Scotland”, entre muchos otros títulos más.

También ha incursionado en el mundo de las consolas de videojuegos, en donde ha colaborado para importantes títulos como “Call of Duty: Modern Warfare 2”, “Assassin’s Creed III: The Tyranny of King Washington” y “Skylanders: Spuro’s Adventure”, entre otros.

Al hacer un “recuento de los daños”, esta película resulta ser una buena opción de fin de semana o un buen pretexto para ir al cine, claro, siempre y cuando se tenga el gusto y ganas por escuchar por millonésima vez una historia que al parecer da mucho más miedo que “Ouija”, película con la que comparte cartelera.
31 Diciembre 2014 05:00:42
Éxodo, efectos y palomitas
Han sido ya casi seis décadas desde que Charlton Heston encarnó a Moisés, personaje bíblico que protagonizó el pasaje referente a la liberación del pueblo judío del yugo del faraón Ramsés y demás egipcios fanáticos y obsesionados por construir pirámides y esculturas
monumentales.

En esta cinta dirigida por Cecil B. DeMille, como en toda súper producción de aquellos años dorados del cine norteamericano, tuvo un reparto lleno de estrellas como Yul Brynner, Anne Baxyter y por si fuera poco Yvonne De Carlo, conocida tiempo después como “Lily Munster”.

Pasó el tiempo y el relato de los Diez Mandamientos apareció en diferentes producciones, tanto las aburridas películas para televisión a la que nadie hizo caso, como en alguna comedia ochentera gringa como “History of The World Part 1”, título que se tradujo en México como “La Loca Historia del Mundo”.

Así hasta llegar a diciembre de 2014 cuando el realizador Ridley Scott tuvo la oportunidad de presentar “Exodus: Gods And Kings”, en donde se presenta a Christian Bale en su versión de “super héroe A.C.”, a Joel Edgerton en un Ramsés con el ojo bien delinedo cual modelo de Maybelline y a la actriz española María Valverde, que interpretó a Zipporah con un look un tanto más parecido al de modelo de Victoria’s Secret.

Sin duda es una excelente producción que deja claro que los recursos técnicos actuales son pieza fundamental en la narración de historias épicas que hace algunos años eran imposibles de retratar tal y como los directores las imaginaban.

La parte musical fue encargada al compositor vasco Alberto Iglesias, quien tiene una larga trayectoria en el medio. En sus inicios se enfocó principalmente a los cortos y documentales como “Guipuzkoa Donostia: Costa Guipuzcoana”, “Ikusmena” y “Paisaje”, entre otros. Pero es en “Exodus: Gods And Kings”, en donde tiene la oportunidad de mostrar su trabajo al mundo con una buena banda sonora que armoniza con cada una de las escenas con la intención que se necesita justo en cada momento de la cinta.

En resumen esta película es la manera artística, épica y gringa de ver un pasaje bíblico, que por supuesto no dejó de tener al par de galanazos y la guapa sexy en los créditos principales. Al final, lo mejor de pasar casi tres horas sentado frente a la pantalla es disfrutar de una buena compañía en el cine a pesar de que la gran demanda en taquilla no deje tiempo suficiente para comprar refresco y palomitas.
24 Diciembre 2014 05:00:48
Terror fuera de temporada
Este mundo no dejará de sorprender por decisiones de algunas casas productoras medianas, como la de estrenar en plena temporada navideña una cinta del género de terror tan mala como aguacate pasado.

Se trata de “Haunter”, película que fue lanzada desde el año pasado, incluso antes que “Ender’s Game”, en donde participa Abigail Breslin, protagonista de el terrorífico churro.

A pesar de que “La Noche del Fantasma”, como se titula en los países “región 4”, se proyectó a principios del año pasado, la distribuidora cinematográfica tuvo la genial idea de ponerla en consideración de los cinéfilos mexicanos, quienes no la toleraron más de una semana en cartelera.

Al parecer lo más rescatable de esta producción son los ojazos de Breslin, quien interpreta a una muchacha que murió junto con su familia de manera trágica y que ahora se encuentran atorados en su casa desde el mismo día en que todo sucedió.

Breslin es la prueba de que no quitar el dedo del renglón rinde frutos, ya que ha aceptado colaborar tanto en series de televisión como “Grey’s Anatomy”, “Law & Order: Special Victims Unit” y “Ghost Whisperer”. Ha demostrado ser una artista versátil que un día actuó junto con Mel

Gibson y Woody Harrelson en “Signs” y “Zombieland” respectivamente, para luego incursionar en el mundo del doblaje prestando su voz en “Air Buddies” y “Rango”.

Es una lástima que este derroche de talento no sea suficiente como para dar una buena opinión acerca de “Hunter”, en donde queda claro que una cara bonita no es suficiente para que un título tenga éxito en el cine, aunque está por verse en acción en las cintas “Final Girl” y “Maggie” que serán estrenadas en 2015.

En la parte musical, la banda sonora le fue encargada al mundialmente desconocido Alex Khaskin, quien a pesar de que cuenta con buena cantidad de aportaciones desde 1997, no ha brillado como para catapultarse dentro del mundo del cine, sino que se mantiene activo componiendo música para cortos, series de televisión y documentales.

Si se reúnen todos los elementos que confirman “Haunter”, entre talento artístico, producción, diseño, música, etcétera, se puede decir que es otro intento fallido por hacer una cinta de terror novedosa y totalmente fuera de temporada.
17 Diciembre 2014 04:00:26
Adiós a la Tierra Media
Parece increíble que son ya 13 años desde que se estrenó “The Lord of The Rings: The Fellowship of The Ring” y el mundo finalmente pudo ver en la pantalla grande una versión decorosa de este épico relato escrito por J.R.R. Tolkien, ya que hasta ese momento sólo se habían hecho algunas producciones mal logradas que dejaban mucho qué desear, siendo la falta de presupuesto y recursos técnicos las principales limitantes.

Pero fue Peter Jackson quien se “aventó el tiro” de dirigir una de las trilogías más impactantes de la historia del cine, y que catapultó a parte de su reparto como Elijah Wood y Andy Serkis, mientras que por su parte reafirmó como súper estrellas a Ian McKellen y Christopher Lee.

Total que esta saga es y seguirá siendo muy redituable para todos los que de una u otra manera intervinieron en su realización, pero “el patrón” Jackson fue quien se llevó la rebanada más grande al aceptar nuevamente el reto de dirigir una segunda trilogía para narrar los eventos previos que se describen en la novela “The Hobbit”.

Difícilmente se puede hacer un resumen de unos cuantos renglones que describa sin ninguna omisión a las tres películas, pero si es posible decir que se trata de la exitosa culminación de más de 10 años de trabajo del director que seguramente ya podrá morir tranquilo... y millonario.

Claro que en seguida se puede hablar de Ian McKellen, que fue el único actor del reparto que participó en las seis películas interpretando a Gandalf The Gray, cosa que le valió el reconocimiento de las nuevas generaciones de cinéfilos que ya lo tenían bien ubicado gracias a “X-Men” y su versión de Magneto.

En cuanto al soundtrack, si bien se trata de una excelente obra de principio a fin, se trata de algo parecido a una gran pieza repartida a lo largo de toda la saga con melodías y acordes que identifican y diferencian a elfos, dwarfs, orcos y humanos cada vez que aparecen a cuadro.

Lejos de ser uno de los estrenos más esperados de todo el año, “The Hobbit: The Battle of The Five Armies” es la cereza en el pastel para Peter Jackson, quien si quisiera, podrá tirarse en algún sillón de su casa a disfrutar de sus ganancias mientras que afina los detalles antes de que inicie la producción de “The Adventures of Tintin: Prisioners of The Sun” que estrenará para 2016... en fin, una chambita que le hará Steven Spielberg para no aburrirse mientras tanto.
10 Diciembre 2014 04:00:38
Marvel con sabor a Disney
Una vez más y como era de esperarse, Walt Disney Animation Studios se saca un 10 con su más reciente propuesta titulada “Big Hero 6”, que definitivamente es una de las mejores opciones de la cartelera de las últimas semanas, cosa que se demuestra con los nada despreciables 135 millones de dólares que ha recaudado en taquilla hasta este momento, cantidad que a pesar de sonar un tanto exorbitante, se queda corta comparada con los 275 millones de billetes verdes que ha reunido “The Hunger Games: Mockingjay – Part 1”, pero bueno, es Jennifer Lawrence.

Gracias al convenio comercial que existe entre los estudios del ratón Miguelito y Marvel, los personajes que aparecieron en el cómic “Sunfire y Big Hero 6 #1” hace ya más de 15 años, fueron llevados a la pantalla grande en una historia que habla del origen de estos héroes en una película genialmente dirigida por Don Hall y Chris Williams.

Los realizadores llevan ya buen camino recorrido en el mundo de las caricaturas y los pixeles, y no es la primera ocasión en la que se encuentran trabajando juntos en un proyecto similar, ya que en 2000 fueron los responsables de la historia de “The Emperor’s New
Groove”, producción con la que se ganaron al público infantil con la historia del emperador inca Kuzco, dosis que repiten ahora con estos “ajaponesados” héroes.

Uno de los grandes aciertos de Hall y Williams es la manera en que manejaron la personalidad y el diseño del robot Baymax, que a pesar de ser un personaje más bien parecido a un gran globo blanco tan inexpresivo como una codorniz, logran convertirlo en el gordito simpático del grupo.

Como ya se ha convertido en tradición de las películas de los personajes Marvel, siempre aparece un cameo de Stan Lee, y “Big Hero 6” no es la excepción, ya que además de que el creador de “Spider-Man” hace la voz del padre de Fred, también se puede apreciar una versión en caricatura de Lee en el cuadro que este niño rico muestra a sus amigos nerds-super héroes.

Por su parte, el músico Henry Jackman fue quien se encargó de musicalizar la cinta, que si bien es un soundtrack de buena calidad, la verdad es que pasa inadvertido gracias a lo entretenidos que resultan los 108 minutos que dura esta genial animación.

Finalmente la cinta se trata de una de producción impecable y de excelente manufactura de esas que hasta da gusto gastarse una lana en la dulcería del cine.
03 Diciembre 2014 05:00:11
Mala y lo que le sigue
Cuando parece que ya se ha visto todo en cuanto a malas producciones se refiere, aparece nuevamente en los cines Nicolas Cage con una película que bien podría tratarse de lo peor que ha hecho en toda su carrera como actor.

Esta semana se estrenó en los cines del país “Left Behind”, en donde Cage comparte créditos con Chad Michael Murray, Lea Thompson, Nicky Whelan y Cassi Thompson, quienes tampoco resultan ser el gran reparto como para hablar de algo rescatable en la cinta.

La propuesta del director Vic Armstrong no es otra cosa más que una historia en la que se intenta llevar una especie de doble trama en la que, por una parte, está la familia de un piloto aviador interpretado por Cage y los conflictos en torno a su esposa y sus nuevas creencias religiosas y, por otra, el “suspenso y acción”, en donde en un avión desaparecen niños, gente mocha y demás pasajeros “inocentes” que se esfuman en el aire dejando su ropa tirada en el piso, cual bruja del oeste derretida.

En general se trata de un pésimo argumento que de una u otra manera intenta vender a los espectadores una equivocada y mal representada idea del bien y del mal por llamar de alguna manera a la “justicia divina” a la que son sometidos los personajes de este churro dominguero.

Armstrong sólo ha ocupado la silla de director en tan sólo algunas producciones de las cuales una es un capítulo de la serie de televisión “The Young Indiana Jones Chronicles”, otra es la súper desconocida película “Joshua Tree”, así como un proyecto futuro titulado “The Sunday Horse” y por supuesto el churro en cuestión, lo que se resume en una falta de experiencia que no disculpa en lo más mínimo a los productores que hayan tenido a bien tirar su dinero en una producción de este nivel.

En cuanto a la música, el autor de la banda sonora es Jack Lenz, compositor que cuenta con más de 40 créditos en diferentes series de televisión, trabajo al que ojalá siga enfocado para dejar que los especialistas en soundtracks continúen haciendo su labor, ya que lo que se escucha en “Left Behind” parece más música de cualquier película ochentera de Chevy Chase.

Es increíble que siga habiendo mercado para esta clase de basura audiovisual, pero más sorprendente es que actores de la talla de Nicolas Cage acepten chambas de tan bajo perfil como este. ¿Será acaso un indicador de que el “ángel enamorado” está pasando por muy mala temporada de chamba?
26 Noviembre 2014 04:00:52
Casi la última, y nos vamos
Para ser unos “juegos” no hubo tanta acción como se esperaba, y para ser “del hambre” tampoco se le vio tan mal alimentada a Jennifer Lawrence, quien se encuentra en la recta final de la saga de “Hunger Games” después del estreno de la tan esperada

“Mockingjay, Part 1”, en donde una vez más le dio vida a Katniss Everdeen.

La propuesta del director Francis Lawrence en esta entrega probablemente es la de establecer un argumento sólido y convincente que dará paso a la conclusión que llegará a los cines en noviembre de 2015, ya que si bien resultó ser una cinta divertida sobre todo para los fans de los libros, dejó a muchos con las ganas de ver más tiempo a Katinss disparando flechas con su arco y menos a Peeta Mellark “sufriendo como Precious”.

Aunque siguen llevándose la película los actores consagrados como Donald Sutherland, Woody Harrelson y Julianne Moore, se nota mucho el hueco que dejó Lenny Kravitz y su interpretación de Cinna, personaje al que por fin alguien asegura durante la historia que oficialmente ha “estirado la pata”, para así darle paz mental a millones de féminas preocupadas.

Lawrence, hablando del realizador, está enfocado en este momento en la post producción de la segunda parte de “Mockingjay”, cosa que seguramente absorbe todo su tiempo, ya que no tiene ningún proyecto en puerta, mientras que la protagonista ya tiene amarrados dos proyectos: “Joy”, que se estrenará a finales del siguiente año, y “X-Men: Apocalipsis”, en donde una vez más dejará con el ojo cuadrado a los fanáticos de los mutantes... claro, por su gran interpretación de Mystique.

La parte musical de “Mockingjay, Part 1” le fue encargada a James Newton Howard, uno de los compositores más prolíficos de los últimos años, que si bien no cuenta con la fama de John Williams, Danny Elfman o Michael Nyman, es quien se “echa la medalla al cuello” por haber escrito el score de “Maleficent”, “The Dark Knight” y “I Am Legend”, sólo por mencionar algunos títulos recientes.

Un buen soundtrack que enmarca las acciones durante el desarrollo de la trama de esta casi conclusión de “The Hunger Games”, un excelente reparto y una producción de primer nivel hicieron que esta fuera una de las pocas sagas llevadas al cine con éxito y que probablemente hará que Lily Collins y el resto del elenco de “The Mortal Instruments” rechinen los dientes de envidia al ver a Jennifer Lawrence pavonearse en la siguiente alfombra roja.
19 Noviembre 2014 04:00:35
Más vale pájaro en cartelera
De vez en cuando se proyectan cintas que no son del gusto de todo el mundo que incluso provocan que algunas personas se levanten de su butaca, a la mitad de la función, y abandonen la sala, a diferencia de otros tantos que disfrutan de una propuesta totalmente diferente a lo que normalmente se presenta en cartelera.

Ahora es el director mexicano Alejandro González Iñárritu quien, a cuatro años de haber presentado “Biutiful”, nuevamente se encuentra bajo los reflectores por el estreno de “Birdman”, película de impecable manufactura en cuanto al guión y diseño de producción, que indudablemente hará ruido en la siguiente entrega de los Oscar. Una cinta que provoca este raro efecto de “amor-odio” entre los cinéfilos.

El reparto está encabezado por Michael Keaton, quien interpreta a un famoso actor conocido por encarnar años antes a un superhéroe que ahora intenta demostrar al mundo que posee cualidades histriónicas dignas de una puesta en escena en Broadway. Esto seguramente fue como una patada en la espinilla a Keaton después de haber sido el Batman de Tim Burton, y ser encasillado por varios años en este papel que al menos le sirvió para comprobar que es lo suficientemente trompudo como para lucir una máscara de superhéroe y así repetir la dosis en “Birdman”.

Complementan el casting de manera genial Naomi Watts, el actorazo Edward Norton, que afortunadamente se sacó del cerebro a Hulk para dedicarse a estos papeles que son lo suyo, y para el agradecido público masculino Emma Stone, quien aceptó el papel de Sam, hija de Riggan, alias Birdman (Keaton).

La parte musical corrió a cargo de Antonio Sánchez, músico que debuta en el mundo del séptimo arte con esta banda sonora, uno de los grandes aciertos de la producción.

El soundtrack que Sánchez ideó está conformado casi en su mayoría por ritmos de acid jazz, funk, jazz latino y fusion entre otras tantas mescolanzas, que dan como resultado el ambiente idóneo para cada una de las escenas.

Otra parte a destacar de esta película es la continuidad tan minuciosa que se aplicó en un plano secuencia, que dura alrededor de hora y media, con tan sólo unos cortes sutiles y que pasan inadvertidos por casi todo el mundo y que logran hacer de esta cinta una especie de mega escena consecutiva que sólo se interrumpe casi al final de la historia.

Al final de cuentas, es una comedia con un humor bastante más inteligente al que los gringos nos venden con mucha facilidad y que han dejado tantos millones a actores como Jim Carrey, quien efectivamente, y como dice el título de su última cinta (y esperemos que en realidad sea la última), cada día es más tonto.
12 Noviembre 2014 04:00:29
Un cuento de hadas intergaláctico
Saltillo.- Y como no todo en la vida de Christopher Nolan son enmascarados vestidos de murciélago salvando la ciudad, también se da su tiempito para viajar “al infinito y más allá”, cual hippie sesentero en Woodstock.

Pero el trip de Nolan no fue gracias al cannabis ni a Janis Joplin, sino a un “hoyo de gusano” junto a Saturno que lo llevó hasta planetas en una galaxia lejana a la nuestra e incluso a una quinta dimensión, fumadísima temática que se toca en “Interstellar”, cinta de reciente estreno en cines del territorio
nacional.

Se trata de una buena historia que habla sobre cómo se aproxima el fin de la humanidad, o al menos su existencia sobre un planeta que ya no tiene las condiciones aptas para la vida humana, así tal y como lo han descrito en los programas alarmistas de Discovery Channel.

La cinta a veces recuerda a la trilogía de “Back to The Future” en los momentos en que se habla y sobre todo se aplica la relatividad del tiempo, teoría que se trata de ilustrar durante las casi tres angustiantes horas que dura la cinta y que de una u otra manera los actores aportan el talento necesario para que los espectadores no empiecen a roncar a los 20 minutos de haber comenzado
la proyección.

El elenco está encabezado por Matthew McConaughey y Anne Hathaway, quienes interpretan a dos de los pocos personajes que no cambian de edad durante la película, mientras que Ellen Burstyn, Jessica Chastain y Mackenzie Foy encarnan a la Murph joven, adulta y anciana,
siendo la más chavalilla la que se lleva el papel.

También hacen fugaces apariciones Michael Caine y Matt Damon, quienes agregan un poco de salsa y limón a una trama que por momentos asfixia y desespera un poco.

La banda sonora seguramente habrá sido de lo que más dinero tuvo que invertir la producción, ya que los honorarios del multipremiado y reconocido compositor Hans Zimmer, seguramente no se tratarán de una bicoca, mientras que éste tuvo la tarea de musicalizar una película muteada un 60% de su duración.

En resumen “Interstellar” es una especie de cuento de hadas futurista preapocalíptico (si es que el término existe), parte dramática con algo de suspenso con un toque tenebroso ambientalista, en fin, tan fácil de digerir como una capirotada con chile y mostaza.
05 Noviembre 2014 04:00:47
Hasta entre zombis hay razas
Prácticamente para cerrar la temporada halloweenesca y del tradicional Día de Muertos, llega a las carteleras “The Returned”, cinta de manufactura española que fue realizada en 2013, pero que para no variar llega a los cines mexicanos con sólo un añito de retraso.

Esta película, dirigida por Manuel Carballo, salva la semana en cuanto al género de terror se refiere, aunque parece ser más una cinta de drama y suspenso, tiene como tema a los
zombis.

Aunque la cinta trata de una historia básicamente sobre estos terroríficos “muertos vivientes” y su propagación en todo el mundo como una especie de epidemia, durante el desarrollo de la historia sólo hay algunas cortas apariciones a cuadro de estos personajes, ya que la trama está principalmente dedicada a narrar cómo Kate y Alex, interpretados por Emily Hampshire y Kris Holden-Ried, intentan a toda costa escapar del gobierno que está tomando medidas en contra de la gente “infectada”.

Resulta ser una película que trata el tema de una manera muy diferente a la que los realizadores tenían acostumbrada a la audiencia con cintas como “World War Z” y “Zombieland”, donde mostraron a unos innovadores zombis correlones en lugar de los típicos que arrastran los pies como borracho de cantina, o cualquiera de la saga de “Resident Evil”, en donde Milla Jovovich deja regados sesos, moronga y de pastor por toda la habitación con un escopetazo bien acomodado a los zombis-freak-mutantes que se muestran en las tantas películas de la serie.

Los zombis en “The Returned”, si bien se muestran rápidamente como unos seres agresivos, no se les dio ninguna escena para que pudieran corretear gente a sus anchas, así que a menos de que en un futuro se piense en una segunda parte, jamás se sabrá qué tan habilidosos o rápidos es esta versión muertitos.

En la parte musical, fue el compositor Jonathan Goldsmith el responsable de la banda sonora, que es una buena selección de temas y acordes que van de acuerdo al ritmo de la trama y que sin duda apoyan perfectamente a las escenas que son, en su mayoría, más dramáticas que terroríficas.

Al final de cuentas, esta película resulta ser una de tantas opciones que aparecen en cartelera y que son el pretexto perfecto, no sólo para ir al cine, sino para evitar dos horas aburridas de churros cinematográficos como “Annabelle” y su muñeca con cachetotes de Ronald McDonald.
29 Octubre 2014 02:00:39
Terroríficamente aburrida
Hay cintas que en ocasiones se convierten en un ícono de alguna generación que quedó marcada por su historia, sus personajes o incluso por el soundtrack.

Así como en su tiempo fue “The Exorcist”, que en los 70 puso los pelos de punta a millones, “The Shining” a principios de la siguiente década y “The Blair Witch Project” en los 90, hace un año “The Conjuring” hizo lo propio con los nervios de los cinéfilos, quienes en su mayoría consideraron ésta como una de las mejores películas de terror de los últimos años.

Definitivamente fue un gran acierto por parte del director James Wan la manera en que llevó la historia a la pantalla grande y que deja claro por qué es uno de los realizadores más reconocidos en la actualidad en este género.

Pero como no falta el que quiera sacar jugo de la naranja exprimida, a John R. Leonetti se le ocurrió la pésima idea de hacer “Annabelle”, segunda parte de esta historia, que es en realidad una precuela que platica cómo fue que la conocida muñeca guarda en su interior a un alma endemoniada.

Resulta ser una cinta de mediana manufactura en cuanto al argumento y la manera en que, con calzador, se entrelaza con la película original.

Se generó tanta expectativa en torno al estreno de esta producción que probablemente esto haya sido parte del motivo por el que no ha cumplido con las expectativas de quienes han asistido a las salas de cine en todo el mundo.

En cuanto al departamento de música se refiere, fue Joseph Bishara quien elaboró la banda sonora que principalmente está compuesta por ruidos y sonidos estresantes, que más que un soundtrack parece el soundcheck de un cuarteto de cámara en el que sus integrantes están muy molestos con sus instrumentos y hacen lo posible por romper las cuerdas de sus cellos y violines durante casi dos horas.

En “Annabelle” se conceptualizó a una muñeca con la sonrisa de The Joker, vestida y peinada como la India María y polvosa como la Chupitos para ser el personaje terrorífico del momento, a diferencia de su símil en la vida real que se trata de una de las famosas Raggedy Ann, juguete popular entre las niñas gringas desde 1918.

Ojalá llegue el momento en que las propuestas del género de terror se basen en un buen argumento, en lugar de dejar todo el paquete a la parte visual que casi siempre termina siendo aburrida y trillada.
22 Octubre 2014 03:00:04
A la mexicana y en tres dimensiones
Y hasta que por fin alguien hace honor y referencia a las tradiciones del Día de Muertos en lugar de a la gringuísima Noche de Brujas, y esta labor se la echó a hombros Guillermo Del Toro, quien salió mucho más que bien librado al presentar “The Book of Life”, animación de excelente y original manufactura que se presentó recientemente en las salas de todo el país.

Es un verdadero descanso visual que agradecen las neuronas de los cinéfilos a los que se les ha bombardeado con churro-comedias norteamericanas, cintas de dizque terror de bajo presupuesto y el ya tradicional pan con lo mismo a las que Stallone y Schwarzenegger las tienen acostumbradas.

“El Gordo” Del Toro, como él mismo se autonombra, tuvo la genial iniciativa de invertirle una lanita a este proyecto dirigido por Jorge R. Gutiérrez, quien sólo había ocupado la silla del director una sola ocasión durante la realización de “Carmelo”, corto animado en donde sólo participaron él mismo con su voz y su esposa Sandra Equihua, quien hizo lo propio en esta mini producción que fue merecedora del Emmy a principios de la década pasada.

Una gran idea por supuesto debe estar acompañada de gente con el suficiente talento a la altura del proyecto, y es por esto que el casting fue pieza fundamental en la elaboración de esta película.

Es nada menos que “el charolastra” Diego Luna, quien encabeza la lista de actores que prestaron su voz para dar vida a cada uno de los personajes, al igual que Ana de la Reguera, Zoe Saldana, Christina Applegate, Ice Cube, Kate del Castillo, y por si fuera poco, Angélica María, Eugenio Derbez, Plácido Domingo, Danny Trejo y hasta el mismo Guillermo del Toro tuvieron la oportunidad de caracterizar a uno de los personajes de la cinta.

Tampoco se escatimó en cuanto al departamento de música se refiere, ya que parte del presupuesto se destinó a los honorarios del músico, compositor, productor y realizador de soundtracks Guillermo Santaolalla, quien se ha ganado un lugar de honor en la historia de la música al producir a bandas y artistas como Café Tacvba, Julieta Venegas, Caifanes, Maldita Vecindad, Fobia y Bersuit Vergarabat, además de ya haberse echado a la bolsa un par de premios Oscar en la categoría de Mejor Banda Sonora por su trabajo en “Babel” y “Brokeback Mountain”, sin dejar de mencionar un Globo de Oro, dos BAFTA, entre otros premios y nominaciones… ahí nomás.

Muchas cosas a favor que decir de la que probablemente sea la mejor opción en el cine en esta temporada y de la que ojalá no quede como un proyecto único y solitario para que Guillermo del Toro siga apostando por esta clase de historias
15 Octubre 2014 03:00:36
Colmilludo y peinado pa’trás
La aparición de los vampiros en el mundo del cine se remonta a la segunda década del siglo pasado cuando en 1922 Max Schreck interpretó a Graf Orlok en “Nosferatu”, un ser transilvano que vive, como marca la tradición “vampiresca”, en un castillo construido en la cima más lejana de los Montes Cárpatos, y que de alguna manera adaptó la novela que Bram Stoker publicara en 1897 bajo el título de “Drácula”.

Tan sólo nueve años más tarde, Bela Lugosi realiza el papel que le valiera un sitio de honor en la historia del cine al encarnar a este ser de la noche descrito por Stoker en su libro, y que se convirtiera en todo un hito dentro del género del terror.

Desde entonces se han realizado varias producciones que abordan la historia de este personaje, algunas que han pasado sin pena ni gloria como “Drácula 2001”, que de manera incongruente se estrenó en el año 2000, además de unas cuantas series y películas para televisión bajo el mismo título.

El que llegó a hacer “el quite” para plasmar algo a la altura del famoso personaje de los colmillos fue Francis Ford Coppola, quien en 1992 reunió en “Bram Stoker’s Drácula” a un reparto de primera conformado por Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins y Keanu Reeves.

En esta reciente temporada tocó el turno del director Gary Shore de mostrar su versión de Vlad “El Empalador” en la cinta “Dracula Untold”, en donde Luke Evans interpreta a este súper sanguinario guerrero como un padre amoroso, peinado de salón y casado con la que seguramente es la guapa del pueblo y todo el demás “kit de felicidad”, y que conforme avanza la trama se ve forzado a convertirse en el temido monstruo condenado a vivir por toda la eternidad chupando cuellos, por agradable que esto parezca.

Algunas discrepancias entre esta versión y la original en cuanto a eventos, personalidad de algunos personajes e incluso sus nombres, que al final cuentan una historia totalmente diferente a la novela escrita hace más de 117 años por Bram Stoker, y que bien podría haberse titulado de otra manera, como por ejemplo “El Vampiro Pancho” o “Las Aventuras de un Vampiro Enamorado” o en el peor de todos los casos “Twlight: The Begining”, (sin hombres lobo depilados, por supuesto), pero jamás “Drácula”, en fin, hay para todos los gustos.
08 Octubre 2014 03:00:34
Sir, herr y master jedi
Desde los tiempos en que Sir Gawain se batió a duelo con Lancelot por el honor de Guenevere, pasando por el heroísmo de Oskar Schindler durante la “Segunda Estupidez Mundial”, y hasta el momento en que Qui-Gon Jinn fue atravesado como mariposa de insectario por la espada láser de Darth Maul, el actor escocés Liam Neeson ha demostrado ser uno de los artistas más versátiles de las últimas décadas, ya que cada uno de los personajes que ha interpretado tiene una personalidad propia y al final de las películas los cinéfilos salen convencidos de su trabajo.

Recientemente Neeson protagonizó “A Walk Among The Tombstones”, thriller policiaco bastante inteligente y crudo, en el que una vez más deja ver su calidad histriónica con una buena actuación en el papel del detective privado Matt
Scudder.

Indudablemente hay mucho más que decir sobre la trayectoria de Neeson que la del realizador Scott Frank quien tan sólo ha estado cuatro veces en la silla de director siendo dos de ellas “Hoke” y “Shameless”, película y serie de televisión respectivamente. Claro que este corto currículum no demerita el buen trabajo que hizo en su cinta más reciente con la que se dio el gusto de trabajar con Liam.

Otro que sin duda fue afortunado por trabajar en este largometraje es Carlos Rafael Rivera, músico y compositor que también hace sus pininos en el mundo del séptimo arte, siendo “A Walk Among The Tombstones” su debut en Hollywood como realizador de soundtracks, logrando una banda sonora de buena calidad, aunque seguramente no será de aquellas que se recordarán por décadas.

Al final es Neeson quien se lleva la función por encima del reparto que está conformado por actores, que si bien han triunfado en televisión, en el cine se han encontrado con un reto totalmente diferente como Maurice Compte, quien apareció en “Breaking Bad”, Luciano Acuna Jr. y Hans Marrero, quienes anteriormente trabajaban como stunts y por último la actriz finlandesa Laura Birn, quien posiblemente sea una estrella en ese lado del planeta y quien participó en “Leijonasydän”, “Mieletön Elokuu” y “Miten Meistä Tuli Ystäviä”, títulos que seguramente no llegarán a este país y que jamás existirá mexicano capaz de pronunciar.
01 Octubre 2014 03:00:37
El A, B y C del terror
Un par de semanas antes de octubre empiezan a salir a la luz los trailers de muchas cintas del género de terror que llegarán a los cines por motivo de la temporada en donde se celebra la Noche de Brujas y el Día de Muertos.

Por lo pronto son “Deliver Us From Evil” de Scott Derrickon, “The Remaining” de Casey La Scala y “As Above, So Below” de John Erick Dowdle, las primeras propuestas de las casas productoras para intentar poner la piel de gallina a los espectadores.

Aunque las tres películas son catalogadas dentro del mismo género, bien podrían encajar cada una en otra categoría. Ésto principalmente se debe a las diferencias entre presupuestos invertidos para la realización de cada una, por supuesto los actores que participan en cada cinta y finalmente la historia que se narra en ellas.

Se pueden clasificar en clase A, B y C respectivamente, siendo “Deliver Us From Evil” la película A, cinta de buena manufactura, en donde aparece Eric Bana interpretando a un policía que se enfrenta a un malandro un poco más malvado a los que estaba acostumbrado, tanto que un religioso es quien le entra a las patadas contra el chamuco. Ésta resulta una buena película palomera que entretiene, en ocasiones sorprende y entra en las opciones para ir al cine el fin de semana.

Como clase B quedaría “The Remaining”, en donde participan actores que van de “casi desconocidos” a los “completamente desconocidos”, pero que libran decorosamente la chamba para mostrar una historia hipotética sobre lo que sucedería cuando llegue el fin del mundo en una versión religiosa con sonidos de trompetas celestiales, plagas bíblicas y todo el demás kit apocalíptico, dando como resultado una película que no se pierde nada si alguien deja de ir al cine a verla.

Finalmente en la decorosa categoría C se encuentra “As Above, So Below”, cinta en la que aparece un reparto que seguramente ni en su propia colonia serían
conocidos.

En esta producción se retoma la ya tan gastada, y mal aplicada en muchas ocasiones, fórmula de hacer cine en primera persona, siendo los mismos actores quienes son responsables de las cámaras, según esto para dar un toque más realista y lograr meter al espectador a la acción, cuando en la mayoría de los casos estas películas más que causar miedo, provocan náuseas por tanto brinco y desenfoque durante casi dos horas que dura la función.
24 Septiembre 2014 03:00:51
Cual ratones de laboratorio
Ya es prácticamente una moda entre los productores llevar a la pantalla grande los best sellers en donde los protagonistas son jóvenes o hasta pubertos en medio de situaciones complejas e incluso de muerte.

Esta fórmula parece haber sido probada a lo largo de varios años en que, bajita la mano, fue cambiando el tono en que se trató la saga de “Harry Potter”, serie que empezó como un cuento de hadas lleno de color y que durante el transcurso de cada una de las ocho películas se fueron transformando para al final parecerse más a una oscura historia de terror en donde aparecen en ocasiones chavitos en medio de una gran batalla y hasta estirando la pata.

En 2012 apareció otra adaptación literaria al cine cuando Jennifer Lawrence interpretó a Katniss Everdeen en la exitosa serie dedicada a narrar los acontecimientos sucedidos en “The Hunger Games”, en donde esta receta de “chavo-post apocalíptico-asesino” se muestra sin ningún remordimiento, tanto que en próximas fechas está por aparecer en las carteleras la primera parte del último capítulo de esta saga que ha dejado millones de billetes verdes en la cuenta bancaria de sus realizadores.

De reciente estreno, “The Maze Runner” retoma esta temática en la que una vez más se coloca a unos muchachitos en medio de un ambiente desconocido y hostil del que nadie sabe si saldrán vivos.

Wes Ball es el responsable de esta película y fue quien apostó por el trabajo de Dylan O’Brien para encabezar el casting de la cinta, pese a que sólo había participado en algunos capítulos de series medianas de televisión como “Teen Wolf” y “First Dates With Toby Harris”, pero quien finalmente salió bien librado con su actuación que aún no se sabe si fue lo suficientemente buena para la casa productora que todavía no define si habrá segunda y tercera parte.

Otro que está recién de-sempacado del mundo de la televisión y que forma parte de los créditos de “The Maze Runner” es el compositor John Paesano, quien dejó a un lado las series “Dragons: Los Jinetes de Mema” y “Crisis” para darse el tiempo de componer la banda sonora de este largometraje.

A pesar de que Paesano compuso una gran obra, más que a las notas musicales, los espectadores pondrán su atención en el gran diseño de arte y efectos especiales que se aprecian durante la función, y sobre todo, en la expectativa de ver si alguno de los “runners” terminará hecho mermelada entre los muros del laberinto.
10 Septiembre 2014 04:00:33
Los remolinos de Steven
Siempre las catástrofes naturales han sido tema para los cineastas, en especial los hollywoodenses como Steven Spielberg, quien presentó “Twister” en 1996, filme con el que puso a todos los pelos de punta en las salas de cine. Pero en ese entonces todavía no se desarrollaba al 100% la tecnología con la que hoy en día cuentan los directores, así que se quedaban con las ganas de plasmar en la pantalla algunas ideas o no se explotaban al máximo algunas otras.

Después de haber dirigido hace tres años “Final Destination 5” el realizador Steven Quale alborota al gallinero con “Into The Storm”, película con la que logra que los espectadores claven las uñas en las butacas desde los primeros minutos de
proyección.

Se trata de una cinta muy bien lograda, que si bien no cuenta con el argumento más original, sí muestra impresionantes efectos visuales en todas las secuencias en donde se aparecen los impresionantes fenómenos meteorológicos digitales.

El reparto está formado principalmente por actores que hicieron escuela en series de televisión como Sarah Wayne Callies que ha participado en “The Walking Dead” y “Prison Break”, Matt Walsh quien apareció en “Veep”, y Max Deacon que trabajó en “Hatfields & McCoys”.

Quien encabeza los créditos de la cinta es sin duda Richard Armitage, nombre que aún no resulta tan familiar para muchos, pero que seguramente la gente recuerda por su reciente trabajo en la saga de “The Hobbit”, a quien se le ve con varios centímetros menos de altura, bastante más pelo y escabechándose a cuanto goblin se le pone enfrente en el papel de Thorin
Oakenshield.

La llamada “caja tonta” no ha sido solamente la escuela de los actores que participaron en el rodaje, sino también de Bryan Tyler, músico que compuso el score de esta cinta y que anteriormente participó, además de varias películas, en la banda sonora de videojuegos como “Call of Duty: Modern Warfare 3” y “Assassin’s Creed IV: Black Flag – Freedom Cry”, así como en series de televisión como “Transformes: Pride” y la versión actual de “Hawai 5.0”.

Este maestro de la batuta recientemente participó en las películas “Teenage Mutant Ninja Turtles” y “The Expendables 3”, y se mantendrá activo durante el próximo año en donde afinará detalles de la banda sonora de “Fast Furious 7” y “Avengers: Age of Ultron”, total, que se atasque si hay lodo.




ch
03 Septiembre 2014 03:00:42
Durango-Frankfurt: viaje sin escalas
De entre tanta superproducción de vez en cuando aparecen en la cartelera algunas películas que rompen con los esquemas a los que las grandes casas productoras tienen acostumbrados a los cinéfilos, y que, sin embargo, dejan un a los espectadores con un buen sabor de boca.

Tal es el caso de “Guten Tag, Ramón”, largometraje dirigido por Jorge Ramírez Suárez, quien luego de dedicarse principalmente a la realización de cortos como “Pronto Saldremos del Problema” y “No Quiero Discutir”, incursiona en el mundo del cine con “Rabbit on the Moon” en donde las cartas fuertes del reparto fueron Bruno Bichir y Jesús Ochoa.

Ahora Ramírez apuesta por el talento nuevo y casi desconocido en esta producción en la que Kristyan Ferrer interpreta a Ramón, un joven duranguense que viaja a Alemania en busca de trabajo.

A pesar de que el trabajo del protagonista había pasado sin pena ni gloria por el “show business”, se ha mantenido bastante activo desde 2007 cuando debutó en el corto “Breve Cuento Sobre la Aparición Espontánea de un Árbol Imaginario”, título que al parecer es más largo que su currículum, pero que le valió un lugar en este competido negocio del cine.

Después del éxito que ha tenido en taquilla con su personaje Ramón, ha asegurado chamba para lo que resta del año, ya que antes de 2015 volverá a aparecer en la pantalla grande en las cintas “Eddie Reynolds, “Los Ángeles de Acero”, “600 Millas” y “The Jesuit”, en donde el suertudote compartirá créditos con Tim Roth y Paz Vega.

La parte sonora de “Guten Tag, Ramón” fue una realización de excelente calidad creativa en donde el crédito se lo lleva Rodrigo Flores López, músico que trabajó sus composiciones principalmente con el mensaje y sencillez con la que es tratada la cinta.

Flores creó una especie de soundtrack personalizado para Ramón, en el que utilizó solamente tres notas musicales para representarlo, acorde que va creciendo conforme la trama y la complejidad del personaje
evolucionan.

Se trata de una película digna de verse por el mensaje que deja al terminar, no sólo por la obvia moraleja de amistad y humanismo que tiende a caer en lo cursi, sino por el simple hecho de que es una cinta entretenida que desquita el precio del boleto.
27 Agosto 2014 03:00:38
¡Qué huevos de tortuga!
Como recién desempacadas de una cápsula del tiempo enviada desde la década de los 80 aparecen en la pantalla grande un grupo de simpáticos reptiles buenos para los fregadazos que protagonizan “Teenage Mutant Ninja Turtles”, cinta que llega como una de las más taquilleras de la temporada de verano.

En la trama se habla, no sólo de cómo Leonardo, Raphael, Michelangelo y Donatello se dieron a conocer en el mundo arriba de las alcantarillas, sino que también se narra su origen como animales de laboratorio al igual que su sensei Splinter.

Aunque en la vida real, estas tortugas vieron la luz en 1984 cuando se publicó “Teenage Mutant Ninja Turtles #1”, cómic en blanco y negro que logró captar la atención de muchos coleccionistas de estos impresos, cosa que también atrajo la mirada de las grandes casas productoras como Nickelodeon, quienes desde 2009 adquirieron los derechos de la franquicia.

Fue hasta este verano cuando finalmente se estrenó la cinta dedicada a estos personajes, la cual fue dirigida por Jonathan Liebesman, mejor conocido por producciones de corte diferente como “Wrath of the Titans”, “Battle Los Angeles” y “The Texas Chainsaw Massacre: The Beginning”, con lo que se explica el tono un tanto oscuro de esta película dirigida principalmente al público infantil.

Por supuesto que no podía faltar el atractivo visual como buen pretexto para que los papás lleven a los chamacos al cine, así que para esta función se contrató a Megan Fox, quien aparte de su súper entallado pantalón, no aporta absolutamente nada relevante a la película. Por su parte, Alan Ritchson, Noel Fisher, Pete Ploszek y Jeremy Howard fueron quienes prestaron su voz a las tortugas ninja y quienes finalmente son quienes encabezan el reparto.

Una buena combinación entre sorprendentes efectos visuales, secuencias planeadas al detalle que seguramente requirieron de kilómetros de hojas de papel en el storyboard y un excelente soundtrack de la autoría de Brian Tyler dan como resultado una cinta impactante y entretenida de principio a fin y que deja a los fans contando los días para que llegue el momento del estreno del filme “Teenage Mutan Ninja Turtles 2” que será en 2016.

20 Agosto 2014 03:00:26
Un gato negro para dominguear
Tuvieron que pasar casi 40 años para que se le hiciera justicia, pero sólo un poco, a “Más Negro que la Noche”, historia escrita y dirigida en 1975 por Carlos Enrique Taboada.

Esta película fue todo un éxito en aquellos años en que las estrellas del momento eran Susana Dosamantes, Helena Rojo, Claudia Islas y, aunque pese mencionarla, Lucía Méndez, quienes lograron poner la piel de gallina de los espectadores con sus interpretaciones, los gritos de terror y, seguramente, también con el peinado y maquillaje de “la Méndez”.

Ahora es el realizador Henry Bedwell, quien retoma la idea original de Taboada y lleva al cine para las nuevas generaciones un remake protagonizado por Ona Casamiquela, Eréndira Ibarra, Adriana Louvier y Zuria Vega, reparto que ganó cierto peso con la participación de Miguel Rodarte y la actriz Margarita Sanz, que por momentos resulta más terrorífica que la historia en sí.

En la cinta se adapta a cada uno de los personajes a un entorno actual, cosa que en ocasiones parece un recurso ajustando con calzador cuando se tocan algunos temas como la sexualidad y la drogadicción, cosa que resulta un tanto fuera de contexto con respecto a la historia central y que bien se los pudo haber ahorrado el director sin afectar para nada la trama.

Como buena cinta del género del terror la parte sonora es fundamental y por lo tanto se invitó a Joan Valent, quien escribió una partitura básicamente incidental que enfatiza los momentos de tensión o generando la misma en las escenas que definitivamente lo requerían.

Este músico español también ha participado en otras producciones de este corte como “Marujas Asesinas” y recientemente “Las Brujas de Zugarramurdi”, película que lo dio a conocer a nivel internacional.

Por su parte Taboada se ha consolidado como toda una institución en el negocio del séptimo arte, quien en 1955 debuta con “Kid Tabaco”.

En concreto “Mas Negro que la Noche” es una película entretenida y una buena opción para un domingo en que no se tenga otra cosa más importante que hacer, ya que al final logra su cometido de hacer que algunos espectadores que se esconden detrás de su caja de palomitas, las hagan volar de un brinco durante función.
13 Agosto 2014 03:00:37
De mapaches, árboles y pistoleros
Llevar a la pantalla grande a los personajes de las tiras cómicas ha sido el mejor negocio en toda la historia de Marvel, y por supuesto esta gente trabaja constantemente en proyectos nuevos y que no resultan tan familiares para muchos espectadores como “X-Men”, “The Avengers” o “Spider-Man”.

Como una de las propuestas más esperadas de esta temporada de verano llegó a los cines “Guardians of the Galaxy”, película protagonizada por Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel y Bradley Cooper, además de todo el peso que Benicio del Toro y Glenn Close le pueden aportar al reparto a pesar de aparecer tan sólo unos minutos.

Esta historia vio la luz por primera vez en 1969, cuando los personajes salidos de la mente de Arnols Drake aparecieron en la publicación “Marvel Super-Heroes” #18. Como todo en esta vida tiene una evolución, este grupo de héroes del espacio pasó a manos del grupo creativo de Marvel que en 2008 publicó “Guardians of The Galaxy” #1 para posteriormente verlos en acción real en la cinta dedicada a esta franquicia.

El responsable de esta producción es James Gunn, a quien sólo se le habían confiado unas cuantas series de televisión segundonas como “The Tromaville Café”, “Humanzee!” y “Sparky & Mikela”, siendo estas dos últimas un rotundo fracaso, ya que de ambas solamente se grabó el capítulo piloto.

Es por esto que “Guardians of the Galaxy” es para Gunn como la gallina de los huevos de oro, que además de darlo a conocer en el mundo del cine, también le dará de comer al menos hasta 2017 cuando se estrene en los cines de todo el mundo la segunda parte de esta historia.

La banda sonora es una gran pieza digna de escucharse y por supuesto de agradecer a Tyler Bates, músico y compositor encargado de darle forma a la partitura de esta película y otras grandes producciones como “300”, “Sucker Punch” y “Watchmen”, y de quien para este mismo año se podrá apreciar de nuevo su trabajo cuando sea estrenada “John Wick” en donde reaparecen Keanu Reeves y el actorazo Willem Dafoe.

Al final de las cuentas “Guardians of the Galaxy” resulta ser una excelente película para un fin de semana que cumple con la función de divertir y entretener al público infantil y claro está, a los más grandecitos que se niegan a crecer.
06 Agosto 2014 03:00:00
Ese simpático hormigueo
El mundo de los largometrajes animados está claramente dominado por los dos grandes de éste género: Dreamworks y Pixar, pero esto no significa que no haya otras casas productoras con planes en puerta o cintas de reciente estreno.

A finales de 2013 “Minuscule: La Vallée Des Fourmis Perdues”, animación de manufactura francesa, fue estrenada durante el Tallinn Black Nights Film Festival, realizado en Estonia en noviembre de ese año, para ser distribuida paulatinamente al resto de los países del Viejo Continente y finalmente a tierra azteca a finales de julio pasado.

Es una historia escrita y dirigida por Thomas Szabo y Hélène Giraud, que comienza justo en el lugar en donde una pareja deja abandonado su picnic para buena suerte de todos los insectos del lugar.

Es aquí en donde empieza un conflicto entre las hormigas negras y su “dulce” descubrimiento con las rojas que intentan quitárselo a cualquier precio. Pero no es la historia lo que sorprende de esta película, sino el ingenioso método narrativo que los directores emplearon para contar esta historia.

Parece más un obra de teatro protagonizada por un grupo de mimos que dan a entender todo perfectamente a base de ademanes y sonidos, ya que durante los 93 minutos que dura no aparece ningún diálogo, cosa que marca la diferencia de las animaciones comerciales dirigidas al público infantil en donde se utilizaron personajes similares como por ejemplo “Antz” o “A Bug’s Life”, en donde el principal atractivo fueron las participaciones de Woody Allen, Danny Glover, Sharon Stone, Sylvester Stallone, Christopher Walken, Dave Foley y Kevin Spacey, sólo por nombrar a algunos.

La música fue realizada de manera genial por el compositor Hervé Lavandier, quien principalmente había enfocado su trabajo a las series de televisión como “Highlander: The Animated Series”, “Yakari” y ocho capítulos de la serie dedicada a la misma franquicia de “Minuscule”.

Cada pieza que compone esta banda sonora es una verdadera joya para quienes gustan de este tipo de música que sirvió para ambientar cada uno de los obstáculos que las hormigas negras tuvieron que superar para llevar gloriosos cubos de azúcar hasta su hogar. Definitivamente merece la pena salir del cine con la sensación de tener bichos por todo el cuerpo después de haber terminado la función.
23 Julio 2014 03:00:09
Máquinas de hacer dinero
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Hay firmas que han encontrado en el mundo del cine una verdadera mina de oro al adaptar cómics, novelas e incluso juguetes a espectaculares guiones obteniendo excelentes resultados tanto para el público infantil como para el segmento que integran los más maduritos.

Y es justo este público nostálgico el que ha sido el mejor mercado para cintas como “Transformers: Age of Extinction”, película con la que no sólo Steven Spielberg se retacó de dólares los bolsillos, sino que Hasbro también “hace su agosto”, no sólo por todo el merchandising que rodea a este estreno, sino por la jugosa cantidad de dinero que recibió por parte de Dreamworks para poder utilizar la imagen de Optimus Prime y demás Autobots.

A pesar de que no es el atractivo principal de estas películas, la parte visual y estética que aportaron en su momento Megan Fox y Rosie Huntington-Whiteley resultaron ser uno de los plus para el público masculino, aunque la fórmula lograda por está última junto con Shia LaBeouf no fue tan productiva como con la lograda en el pasado cuando Fox dejó a todos con la boca abierta.

Finalmente el director Michael Bay decidió probar con una nueva pareja protagonista, dejando descansar al público del personaje de Sam Witwicky y dando oportunidad a Mark Wahlberg, Jack Reynor y Nicola Peltz, con quien los adultos recrean la pupila mientras los pequeños andan distraídos con las grandes batallas entre Autobots y Decepticons.

La música por supuesto tenía que ser tan espectacular como la parte visual, y este trabajo lo tenía más que asegurado Steve Jablonsky, quien es el responsable de la banda sonora de toda la serie dedicada a estas malhumoradas máquinas alienígenas incluyendo los videojuegos “Transformers: The Game” y “Transformers: War For Cybertron” entre otras tantas partituras que ha escrito para la industria del cine y de las consolas X-Box, Playstation y Wii.

Un derroche en cuanto a efectos visuales, una magnífica producción y diseño de arte y una detallada edición de audio dan forma a una excelente secuela para los seguidores de estos personajes que todavía tienen mucho que ofrecer al género de sci-fi y acción.

Este es ya el cuarto largometraje de la saga que ha sido llevada a la pantalla grande, mientras que una quinta ya se cocina en los hornos de Dreamworks y la cual ya se encuentra en la etapa de preproducción y que al parecer se ha programado su estreno para mediados de 2016.

16 Julio 2014 03:00:03
El final feliz de Von Trier
Hace algunas semanas apareció en las carteleras una de aquellas cintas que es tan aplaudida como despreciada desde el título mismo: “Nymphomaniac: Vol I”, película que presenta a la genial Charlotte Gainsbourg interpretando a Joe, una mujer que definitivamente tiene mucho que platicar acerca de su vida y sus experiencias con los hombres y, ¿por qué no?, también con alguna mujer.

Finalmente, para alegría de quienes no abandonaron la sala a la mitad de la proyección de la primera parte, se estrenó “Nymphomaniac: Vol 2”, en donde aparece Stellan Skarsgård en su papel de Seligman, quien escucha, analiza y opina sobre cada una de las aventuras, tragedias y desilusiones de Joe.

Esta parte del guión, escrito por Lars von Trier, está dedicada a la vida adulta de la protagonista y sólo toca algunos de los eventos importantes de la niñez y la juventud de Joe, mismos que la llevan a desarrollar un perfil que la sociedad identifica como el de una ninfomaníaca, cosa que a ella parece no incomodarle en lo absoluto.

La música en este largometraje e inclusive la ausencia de banda sonora en la mayoría de la proyección representa un gran acierto para el director que logra que los espectadores brinquen de un estado de ánimo a otro utilizando recursos visuales y por supuesto la genialidad con la que la historia es contada.

Esta segunda parte explora algunos aspectos un tanto más rudos en la vida sexual del personaje principal como el sadomasoquismo e incluso en sexo grupal, cosa que a la mayoría del público resultaría algo impropio a ser proyectado en las salas cinematográficas de una ciudad “bien portada” y de “buenas maneras” y en la que por supuesto jamás se haría nada de lo que se presenta en “Nymphomaniac” (¡ajá!).

A pesar de los comentarios encontrados y los gustos divididos la obra de Von Trier resulta una especie de lucecilla al final del túnel en medio de tanta mala comedia norteamericana y excelente motivo para asistir al cine.

Como todas las producciones la última palabra no la tienen ni los críticos, ni los editorialistas, ni la congregación de las carmelitas descalzas, ni mucho menos la liga de la decencia, sino los adultos pensantes que se sientan a ver una película fuerte que toca un tema crudo y de actualidad, de una manera explícita y sin pelos en la lengua... bueno, eso si está en duda.
02 Julio 2014 03:00:54
Slash, para llorar
Son ya más de 25 años desde que los amantes del hard rock compraban “Appetite For Destruction” como si fuera pan recién salido del horno, catapultando a Guns N’ Roses a la cima de la escena mundial.

Pocas personas viven un momento similar, y son todavía menos quienes repiten la sensación de presentarse frente a una audiencia cada vez más exigente y de gustos mucho más complejos que en la década de los 80.

Sin embargo Slash, ex guitarrista de la agrupación californiana, decidió probar suerte en el mundo del cine creando su propio sello bautizado como Slasher Films, con el que “se presenta” de nueva cuenta ante su público, ahora en su mayoría, cinéfilos gustosos del género de terror e incluso algo de gore.

Se trata de “Nothing Left to Fear”, ópera prima del ahora director Anthony Leonardi III, quien antes había colaborado en el departamento de arte elaborando los storyboards de “Rango” y “The Lone Ranger”, así como también diseñando criaturas para “Constantine” y “47 Ronin”, trabajo que si bien le ha valido empaparse del proceso de elaboración de una cinta, tampoco lo convierte en una promesa como realizador y menos después de ver el resultado en esta producción.

Como todas las películas recientes de este género, desgraciadamente el trailer es mucho más aterrador que la misma cinta, dejando a los espectadores con mucho qué desear al final de la proyección, cosa que comienza a ser una triste costumbre en este género tan descuidado y al que tanto provecho se le podría sacar con buenos guiones, mejores actores que hagan creíbles sus respectivos roles y un buen director por favor.

Un reparto extraído prácticamente de las series de televisión y el cual está encabezado por James Tupper, Anne Heche, Ethan Peck y para salvar la tarde, al menos para el público masculino, Rebekah Brandes.

En cuanto a la música de la película, es evidente quién fue el encargado de componer la partitura del soundtrack. El famoso guitarrista del sombrero de copa se apoyó en el compositor Nicholas O’Toole para la realización de la banda sonora que está hecha a base de sonidos y “ruiditos” ambientales muy lejanos a lo que podría llamarse música. Lo extraño es que haya tenido que contratar a alguien para esto siendo que pudo haberlo hecho él sólo, en fin.

Está por verse cómo le irá a Slash produciendo cine y qué tal lo recibe la crítica, el público y los actores de renombre después de un fiasco como “El Llanto del Diablo”, como se tituló la cinta para la “región 4”.
25 Junio 2014 03:00:28
Con aliento de dragón
Cuando parece que Pixar ha sorprendido al mundo lo suficiente como para no esperar nada de otra productora por muchos años, aparece Dreamworks con “How to Train Your Dragon 2” para dejar a muchos con la boca abierta.

La cinta es de excelente manufactura y con un divertido guión que no sólo entretiene al público infantil, sino que también atrapa a los más maduritos que gustan de este género.

La historia se ubica unos años después de que Hiccup lograra unir al pueblo vikingo con los dragones a quienes creían sus enemigos, para ahora convertirse en jinetes de estas míticas criaturas.

Pero lo mejor de la película no es la historia, sino la manera en que el equipo de producción, diseño y animación tratan los detalles en cada una de las escenas, dando un increíble realismo a los escenarios, gestos y movimientos de los personajes principales, dragones y las simpatiquísimas ovejas que, por cierto, se llevan la función.

La película fue dirigida por Dean DeBlois, a quien se le ha dado muy bien esto de trabajar con dibujos animados, si es que a los pixeles en movimiento también se les puede llamar así, ya que su experiencia dirigiendo en este género comenzó con “Lilo & Stich” (2002).

DeBlois también ha entrado al quite en otras áreas del cine sin salirse de esta línea al participar en el departamento de animación de “Atlántis: The Lost Empire” y como coescritor del guión de “Mulan”, cosa que le ha valido tener el callo suficiente para ser prácticamente el encargado de la franquicia de los vikingos y dragones de la cual ya se ha anunciado el estreno de la tercera parte en 2016.

La música corrió a cargo de John Powell, quien ya tiene un largo camino recorrido en estos menesteres y a quien se ha visto aparecer en los créditos de “Ice Age: The Meldown”, “Kung Fu Panda” y “Rio”, colocándose como uno de las mejores opciones para crear bandas sonoras en este género cinematográfico.

Hubiera sido mejor que Dreamworks diera más tiempo antes de estrenar la tercer parte de esta saga, pero finalmente los billetes verdes son los que mandan y las casas cinematográficas deben alistarse para enfrentar a Disney y su tan esperado “Episode VII”, próxima entrega de su más reciente adquisición: “Star Wars”.
20 Junio 2014 03:00:07
La inconsciencia de Depp
Y finalmente los dioses del Olimpo decidieron hacer felices a los simples mortales y permitieron que Johnny Depp dejara de hacerla de Tonto... y de Jack Sparrow también, para protagonizar “Transcendense”, una cinta de ciencia ficción que promete remover temporalmente al actor el “estigma pirata” del que ya merece la pena librarse al menos por un par de años más.

Parece como si fuera que en esta cinta los productores hubieran diseñado casting exacto y justo para que absolutamente nadie opaque al antiguo “manos de tijera”, ya que los coprotagonistas de la cinta son nada más, ni nada menos que Rebecca Hall, quien no ha hecho nada más sobresaliente que un papel segundón en “Iron Man 3”, y Paul Bettany, quien coincidentemente trabajó en la misma saga, haciendo la voz de Jarvis, la computadora inteligente de Tony Stark, lo que se traduce como dos ceros a la izquierda junto a Depp.

Parece ser que “Transcendense” trata un guión novedoso, manejado de manera original en donde el personaje interpretado por Johnny logra de alguna manera conservar su conciencia en una computadora después de haber sido asesinado, y es ahí en donde comienza el desarrollo de la trama.

Se trata de la primera cinta que Wally Pfister dirige, así que es su prueba de fuego en el mundo del séptimo arte, a pesar de que ya ha sido probado su talento como director de fotografía en la última trilogía dedicada a Batman, así como en “Incepcion”, protagonizada por Leonardo DiCaprio, entre otras tantas películas más que no hicieron tanto ruido.

La música de “Transcendense” corrió a cargo de Mychael Danna, músico canadiense ganador del Oscar en 2012 por su genial participación en la cinta “Life of Pi” y con la cual se colocó en la lista de los grandes compositores del mundo del cine.

Por su parte Jhonny, como buen actor de moda, talentoso y con millones de féminas alborotadas tras de él, se mantendrá vigente al menos hasta 2016. El actor participa en siete producciones, de las cuales “Tusk”, “London Fields”, “Into The Woods” y “Mortedecai” se encuentran ya en la etapa de post producción, mientras que “Black Mass” está en plena producción. También realizará “Through The Looking Glass” que está en pre producción, y para al final tristemente regresar al mismo lugar de dónde partimos, a la anunciada por los estudios Disney “Pirates of The Caribbean: Dead Men Tell no Tales”, en donde ojalá ahora sí decidan eliminar al pirata “rolling stone” de una buena vez.
11 Junio 2014 03:00:55
Otra de soldados
Al parecer a Tom Cruise ya le gustó hacer el papelito de súper soldado del futuro que salva el planeta entero pasando encima de cientos de enemigos tan sólo con su arma y una sonrisa de galán sesentero.

La semana pasada se estrenó “Edge of Tomorrow”, cinta de ciencia ficción protagonizada por Cruise y Emily Blunt, siendo ella el plato fuerte de la película en cuanto a actuación se refiere.

Por su puesto que el ex de Nicole Kidman se ajusta perfecto al rol para el que fue contratado, aunque el personaje es un tanto predecible después de los primeros 20 minutos de proyección.

La película aborda varios temas que ya son recurrentes en producciones recientes, súper marines en medio de una guerra épica, inexplicables invasiones alienígenas y el típico galán hollywoodense salvando el mundo, o lo que bien podría ser el resultado de una mezcla de “Saving Private Ryan” y “Corre Lola, Corre”.

Al final se trata de un palomero, pero entretenido largometraje de la autoría de Doug Liman, realizador que ya está muy familiarizado con este asunto de los plomazos, ya que después de haberse aventado la tarea de producir tres de las cintas de la saga “Bourne”, resultan ser la parte de su trabajo que merece ser destacada y por supuesto explotada por las casas productoras.

Por otra parte, la participación del músico canadiense Christophe Beck fue una de las intervenciones destacadas dentro de esta cinta, ya que la banda sonora enmarca perfectamente cada una de las secuencias de la película, convirtiéndose en una excelente música incidental para cada una de las escenas.

En los siguientes meses veremos de nuevo los ojazos verdes de Blunt en la pantalla grande cuando se estrenen las cintas “Into The Woods”, cuento de brujas coprotagonizado por Johnny Depp, y “Sicario” en 2015, en donde actuará al lado de Benicio del Toro.

Por su parte, Cuise seguirá haciendola de súper espía en “Mission: Impossible 5”, además de volver a tener contacto con las criaturas de la noche en la nueva versión de “Van Helsing”.

Por si esto no fuera poco, también ha sido anunciada, para alegría del público femenino de arriba de cuatro décadas, la segunda parte de “Top Gun”, en donde Tom tendrá la oportunidad de revivir los años gloriosos en que todos lo envidiaban por pasearse de la mano de Nicole Kidman a pesar de, a duras penas, llegarle al hombro.
04 Junio 2014 03:00:29
Érase que se era
Lo que básicamente y en resumen es la historia de una mujer “ardilla”, y no precisamente por vivir en la rama de un árbol, sino por lo molesta que la dejaron después de ser engañada, es de lo que trata “Maleficent”, el tan esperado filme de los estudios Disney.

La casa productora se anotó un 10 con esta película, en donde no sólo dejan claro el porqué tuvieron la capacidad para absorber a Lucasfilm LTD hace algunos meses, sino que también que son uno de los gigantes en la industria del cine en cuanto a efectos visuales y diseño de producción se refiere.

En esta película la productora de Mickey simplemente no queda a deber nada al redondear la magnífica realización con un excelente casting encabezado por Angelina Jolie, que demuestra su gran capacidad actoral con una excepcional interpretación de la famosa villana de los cuentos de
hadas.

La trama que narra los eventos previos a la conocida historia de “Sleeping Beauty”, cinta animada que ya pasa del “tostón” desde su estreno, le da un enfoque muy diferente al conocido cuento de hadas, dando giros inesperados desde principio a fin.

Otra buena sorpresa es el trabajo realizado por Elle Fanning, hermana de la conocida Dakota Fanning, quien da vida a la la princesa Aurora, y que sorprendentemente cuenta ya con 14 años de experiencia en la actuación a sus 16 años... así es, ya que su primera aparición frente a las cámaras fue a los 2 años en “I Am Sam”, en donde interpretó al mismo personaje que su hermana Dakota, pero en una versión más joven.

El público volverá a saber de Fanning en poco tiempo, ya que prestó su voz a Winnie, personaje de “The Boxtrolls”, animación que también promete ser un éxito en las taquillas.

El director Robert Stromberg se hizo rodear de grandes artistas como el maestro de la batuta James Newton Howard, quien compuso un impresionante soundtrack que más merece la pena escucharlo que describirlo para no quedar por debajo de tan elaborada banda sonora.

De quien sí se puede dar una opinión concreta es de Lana del Rey, quien se escucha durante los créditos finales con “Once Upon a Dream”, en una excelente y un tanto oscura versión de los clásico que cantó la princesa en la película animada de 1959, durante una escena que bien podría ser un viaje ácido de Aurora que la hizo bailar y cantar con los animales del bosque imaginando que un búho con capa y boina era su “príncipe azul”.
28 Mayo 2014 03:00:26
Antes y después de la X
Por segunda ocasión desde que existe la versión cinematográfica de la historia de Charles Xavier y sus peculiares alumnos, se propone una historia en la que parece ser la culminación de la saga de los mutantes en “X-Men: Days of The Future Past”, aunque resulta difícil pensar que Marvel Studios dejará ir la oportunidad de ganarse otra buena cantidad de billetes verdes con una continuación.

Lo que sí es algo complicado es que parte del elenco está conformado con actores ya bastante maduritos como Ian Mc Kellen y Patrick Stewart, por lo que los productores toman en cuenta que de pronto alguno de ellos podría estirar la pata y dejar a medias la chamba.

El que parece no envejecer tal cual como su personaje mutante es sin duda Hugh Jackman, quien ahora interpretó a un Wolverine un tanto más alivianado y de mejor humor que en las entregas anteriores, y al que ahora tuvieron a bien darle un toque de madurez visual con unas curiosas canitas en las sienes, muy al estilo de Reed Richards, personaje al que también Marvel le sacará jugo en 2015 cuando se estrene “The Fantastic Four” en un último intento de reivindicar a Mr. Fantastic y a sus compañeros.

Pero no sólo los veteranos repiten ro, sino que también reaparecen Michael Fassbender en el papel de Erik Lehnsherr (Magneto), al igual que James McAvoy, quien interpreta a Charles Xavier con bastante más cabello que su símil del futuro.

La cinta parece una especie de pequeña despedida de todos los personajes y actores que han participado en la saga, ya que a lo largo de la historia hay algunos cameos de Rogue con la mismísima Ana Paquin, y hasta algunos otros que no alcanzaron ni siquiera el honor de ver su nombre en los créditos finales como Famke Janssen y James Marsden, quienes intepretaron a Jean Gray y Cyclops, respectivamente.

Como ya está comprobado que el personaje más rentable ha sido Wolverine, no es de sorprenderse que cada una de las películas que narra las historias de los X-Men parezcan más las aventuras del mutante de las garras de adamantium, cosa que en algún momento cansará al publico, mientras que también podrían darle gusto al público masculino y dedicar un par de horas de pantalla grande a Mystique, ya sea Jennifer Lawrence o Rebeca Romijn, quien la personifique. En cuanto al soundtrack, mmm... ¿si tiene música la película?
21 Mayo 2014 04:00:53
¡Oh sí, oh sí! qué buena cinta
En muy contadas ocasiones el público sale con un buen sabor de boca, valga la expresión, de una función de cine en medio de esta época en la que prácticamente todo está enfocado al género de acción, fantasía y animación.

La gran sorpresa de la temporada es sin duda “Nymphomaniac: Vol. 1”, cinta controversial que bien justifica la clasificación “C” con la que fue catalogada y que no le caería nada mal verla al público que no rebasa el 1.30 metros de
estatura.

Es una producción impecable de Lars von Trier, al menos en cuanto a esta primera parte se refiere, y que desde la primera escena sorprende por la calidad del sonido que resalta los detalles a veces imperceptibles como una simple gota de agua.

Esto resulta uno de los puntos a destacar de esta cinta, ya que prácticamente es una película sin banda sonora, salvo por el momento en que se escucha “Führe Mich” de Rammstein para más tarde contrastar con las notas de una pieza de Bach que son brillantemente desmembradas para contar tres historias a la vez.

No es difícil saber de qué se trata la cinta, basta con leer el título, lo que resulta verdaderamente sorprendente y novedoso es la manera en la que se plantea la historia y la genialidad visual con la que el director propone cada secuencia.

En algunos momentos parece recordar el estilo que Oliver Stone utilizó en “Natural Born Killers” al sobreponer tipografía en las escenas o incluso dividir la pantalla hasta en tres partes, aunque definitivamente el realizador danés utiliza un estilo propio y definido.

Posiblemente el nombre del director no es rápidamente identificado por la mayoría de las personas, ya que lejos de ser un director de cine comercial o hollywoodense, Lars von Trier ha hecho camino en el mundo del séptimo arte con cintas como “Antichrist” y la memorable “Dancer in the Dark”, drama protagonizado por Björk.

“Nymphomaniac: Vol 2”, tan esperada como cualquier película de super héroes, la conclusión de la historia platicada por una golpeada Joe, llegará a los cines mexicanos en los próximos meses, a pesar de que su estreno mundial se llevó a cabo en diciembre del año pasado en los terruños nórdicos del director.
14 Mayo 2014 04:00:20
Otra de mello
No siempre una película que se encuentre vigente en cartelera tiene grandes actores ni galanazos de la pantalla grande. En ocasiones los directores apuestan por los nuevos talentos o al menos a los que ellos consideran como los que mejor se adaptan a un papel en particular.

“The Quiet Ones”, es el título original de la película dirigida por John Pogue y el que por supuesto se deformó a su versión “región 4” como “Silencio del Más Allá”, la cual llega a la pantalla grande como la propuesta de cine de terror más atractiva para este mes... en fin, cualquiera puede cometer el error de recomendar una mala cinta.

Desde el principio de la función es evidente el tratamiento que se le dará a la película durante los siguientes 98 minutos, con eso de que ahora todas las historias de terror son supuestamente basadas en hechos reales y que por supuesto es lo primero que se menciona en la película, como si de esto dependiera que la producción resulte buena o mala.

Después de mucho bla, bla, bla... la historia resulta bastante regular y con actuaciones que dejan mucho que desear la gran mayoría del tiempo, que aunque se trate de noveles talentos, seguro habrá por ahí quien lo haga mejor por menos dinero.

La banda sonora, si es que así se le puede llamar a algunos ruidos y sonidos regados a lo largo de la película, corrió a cargo de Lucas Vidal, quien principalmente había colaborado en documentales como “Flamenco: A Way of Life” y “Make Believe”, así como algunos cortometrajes como “The Last Moments of Leopoldo Berenguer”, “God Bless America” y “The Immortal Voyage of Captain Drake”, producciones que habría que buscar en algún bazar de antigüedades o en los anaqueles de supermercado de esos en los que los DVD cuestan 39 decorosos pesos.

De cualquier manera se reconoce el esfuerzo de quienes se avientan la chamba de hacer cine, aunque el resultado no sea el mejor ni el más vistoso, pero no estaría de más que alguien, como un buen amigo o algún familiar que le guarde cierta estima a los realizadores, les haga el favor de sugerirles que mejor se dediquen a otra profesión.
07 Mayo 2014 03:00:49
Bienvenidos a bordo ¡Manos arriba!
Como en toda buena película gringa de acción o suspenso siempre hay un héroe anónimo que salva al planeta entero en el último segundo o mata al villano justo antes de que haga estallar una bomba... en fin, el héroe del día.

Liam Neeson no se ha quedado con las ganas de hacer un papel muy al estilo de Bruce Willis, y participó en “Non-Stop”, cinta que en cierta forma justifica el precio de las palomitas de maíz y la entrada al cine, ya que se trata de una buena película dominguera que cumple bien con la función de entretener.

La película fue dirigida por Jaume Collet-Serra, realizador responsable de “Orphan”, mejor conocida en Latinoamérica como “La Huérfana”, y cuatro películas más que no merece la pena ni siquiera mencionar.

En “Non-Stop” el soundtrack es al parecer uno de los elementos más destacados y mejor realizados. La banda sonora corrió a cargo de John Ottman, músico que posée un curriculum mucho más extenso que el mismo director de la cinta, al haber compuesto la música de 48 películas dentro de las que se pueden mencionar “X-Men 2”, “Superman Returns” y “Jack The Giant Slayer”.

Ottman cierra el año como “los grandes”, ya que su trabajo se escuchará de nueva cuenta durante la proyección de “X-Men: Days of The Future Past”, la que está próxima a estrenarse.

Las composiciones que Ottman realizó para “Non-Stop” son básicamente ambientales y muy orquestadas, enfocadas a enfatizar los momentos de tensión que ocurren durante el desarrollo de la trama y que ponen “los pelos de punta” tanto al personaje de Neeson como a los
espectadores.

Por su parte el actor irlandés, quien compartió créditos con Julianne Moore, se mantiene activo en cinco películas que se presentarán entre 2014 y 2015, mientras que Moore sigue estando vigente en las grandes producciones ya que aparecerá en las dos partes de “The Hunger Games: Mockingjay”, cintas con la que llega a su conclusión esta exitosa franquicia y que mantendrán vigente a la actriz al menos hasta finales del siguiente año.

En “Non-Stop” como en otras películas de acción norteamericanas no dejará de ser una constante que se retrate a simples mortales “haciéndola” de héroes que resuelven las situaciones más complicadas con una navaja suiza, al estilo McGyver, cosa que, por supuesto, ni ellos mismos se la creen.
30 Abril 2014 03:00:23
¡Qué miedo,  qué aburrido!
Durante el año un gran número de personas que gustan de las cintas de terror esperan ansiosamente ver la historia completa de los trailers que semanas antes ya han calentado los ánimos de este mercado.

Espeluznantes efectos especiales que prometen quitar el sueño a la mayoría de los espectadores, elaboradísimos maquillajes, que bien podrían competir con el de Elba Esther Gordillo, y sobre todo, atractivos avances que se muestran antes de las funciones son algunos de los recursos que las casas productoras utilizan como gancho mercadológico para atrapar la atención de quienes gustan de este género cinematográfico.

Finalmente la sala se llena, las luces se apagan y comienza la función de “Oculus”, una de las cintas de terror más esperadas desde hace un par de meses que se lanzó en los complejos cinematográficos el cartel
preventivo.

Pasan los primeros 10 minutos y la expectativa crece conforme avanza la historia, mejor dicho, avanza el tiempo hasta llegar a 30 minutos transcurridos de función, en donde no ha pasado absolutamente nada interesante.

Durante la película hay un par de buenos detalles que al final resultan sólo sustos, de esos que puede dar el típico “Jack in the Box” o cualquier video de YouTube, en donde de pronto aparece Reagan en alguna escena de “The Exorcist”.

Al terminar la proyección el resultado es desastroso, después de casi dos horas de película dan ganas de que la persona de la taquilla devuelva el dinero que costó el boleto.

Es como una teoría casi comprobada que de cada 10 películas del este género mal explotado, nueve son un verdadero mugrero, como esta película que bien podría haberse quedado en el disco duro del director Mike Flanagan como un buen proyecto de
secundaria.

En cuanto a la música se refiere, fueron The Newton Brothers los responsables de tan somnífero soundtrack que no lleva al espectador a ninguna parte ni mucho menos genera alguna clase de sensación o tensión durante la cinta.

Como conclusión queda la gran interrogante ¿en qué diablos estaban pensando los productores cuando decidieron llevar a la pantalla grande este guión?
23 Abril 2014 03:00:21
Un cómic muy humano
Para poder hablar sobre cualquier película de fantasía en la que un hombre con súper poderes es el protagonista de la historia, la audiencia debe instalarse en el mood correspondiente a lo que está a punto de ver y quitarse de la cabeza comentarios como “¡qué exagerado!” o “¡es una jalada!”, ya que al final de cuentas lo que se verá en pantalla es un cómic en acción real.

Sin duda alguna “Spider-Man 2” rebasa cualquiera de estos argumentos al cumplir con todas y unas cuantas más de las expectativas de los fanáticos del arácnido desde el primer minuto de la cinta, ya que el director Marc Webb nos muestra a un Peter Parker y a su alter ego trepador en un tono realista y humano, pero sin olvidar jamás que se trata de un cómic.

Los efectos visuales y el diseño de producción son algunos de los elementos de esta película que se llevan las palmas, ya que logran que el espectador no se pierda ningún detalle, desde el más pequeño como las arrugas en la tela en el traje de “Spidey” y hasta las texturas y formas en las telarañas, explosiones y descargas eléctricas que aparecen durante toda la historia por cortesía de Electro.

Otro de los puntos a favor que tiene esta película es sin duda la banda sonora que no sólo reúne excelentes composiciones del multipremiado Hans Zimmer, sino que también se incluyeron artistas un tanto más comerciales como Alicia Keys, quien se deja escuchar con una especie de soul en “No Place Like Home”, The Neighbourhood que colaboró con “Honest”, una balada que se ajusta bien a las escenas dirigidas al público juvenil (no olvidemos que Peter y Gwen son chavos universitarios), para redondear con “Electro Remix”, composición básicamente electrónica de Alvin Risk en coautoría con el mismo Zimmer.

Durante el desarrollo de la trama suceden eventos inesperados por algunos y que marcan el rumbo de la historia de Peter Parker y que desenmarañan algunas otras interrogantes que se arrastraban desde la
precuela.

Al final de la cinta el director deja nuevas dudas al público sobre algunos de los villanos que aparecen tan sólo unos minutos y de otros a los que se hace una “elegante” referencia. Entre estos están Vulture y del Dr. Octopus, de los que se pueden ver por un momento sus “accesorios” cuando se muestra parte del interior de los laboratorios del edificio OSCORP, dejando en tela de duda su aparición justo al terminar los fregadazos con Rhino en la tercera película de esta saga.
16 Abril 2014 03:00:08
Chiquita pero colmilluda
En medio de una vorágine de estrenos hollywoodenses en donde los súper héroes de los cómics, galanazos y guapísimas actrices son las estrellas del momento, aparecen de vez en cuando en las colecciones de video de quienes gustan del cine, algunos títulos que de pronto quedan en el olvido, pero que definitivamente merece la pena echarles un ojo de nueva cuenta como aquellos que se han convertido en cine de culto.

Durante 2008 el mundo del séptimo arte fue tomado por sorpresa por “Låt Den Rätte Komma In”, mejor conocida por su título “región 4” como “Déjame Entrar”, largometraje dirigido por Tomas Alfredson, quien de manera impecable adaptó a la pantalla grande la novela de John Ajvide Lindqvist.

La película es una de esas producciones que si bien no fueron de aquellas que generan ganancias multimillonarias, sí logró captar la atención de la audiencia por la originalidad de su guión y la buena interpretación de los jóvenes actores que la protagonizan (a diferencia de la familia Cullen).

Kåre Hedebrant es quien encabeza la lista de créditos con el papel de Oskar, un típico niño “bulleado” que finalmente se logra sacar la espina gracias a Eli, personaje interpretado magistralmente por Lina Leandersson, quien a pesar de su corta edad y de ser su primera aparición en cine, logra consolidarse como un ícono en el género de las películas de vampiros (...y está bien la clasificación, ya que esta movie definitivamente no encaja en el género de terror).

La música realizada para la película fue compuesta por Johan Söderqvist, quien logró un soundtrack muy a la altura de la trama y el resto de la producción, ya que en esencia es una banda sonora ambiental nada pretenciosa, principalmente compuesta para violín, cello y guitarra acústica, siempre conservando un tono melancólico en su partitura.

El músico sueco es uno de los directores más activos en esa región del mundo ya que cuenta con un currículum que suma más de 50 soundtracks, entre los que se encuentran series de televisión, documentales y películas, de las cuales destacan, por supuesto la mencionada unas líneas arriba, y la multipremiada “Kon-Tiki”.

Lo que nadie podrá negar es que esta peculiar historia es que resulta ser un excelente y original cinta de vampiros, tanto que nuestros queridísimos vecinos del norte, cual buenos imitadores japoneses, tuvieron a bien hacer su propia versión en 2010 (bastante decorosa) titulada “Let me In”.
09 Abril 2014 03:00:55
De trilogías inconclusas
Ha resultado toda una mina de oro para las casas productoras llevar a la pantalla grande los bestsellers que cautivan a los jóvenes por sus historias que combinan fantasía, acción y por su puesto una gran dosis de romance puberto.

De reciente estreno y con gran éxito en las taquillas, llega esta temporada “Divergent”, una de estas novelas adaptadas al cine que fue dirigida por Neil Burguer, cineasta que logró colocarse bajo los reflectores en 2006 con “The Illusionist”.

La película es protagonizada por Theo James, actor a quien no se le había visto en cine desde que apareció mostrando los colmillos en “Underworld: Awakening”, y Shailene Woodley, quien después de ser prácticamente despedida de la producción de “The Amazing Spider-Man 2” y quedarse con las ganas de interpretar a Mary Jane Watson, aparece en el papel de Tris, cosa que le ha resultado benéfica a la actriz, ya que ahora se encuentra en la preproducción de “Insurgent” y “Allegiant”, secuelas que complementarán la saga de “Divergent” y que se estrenarán en 2015 y 2016 respectivamente, lo que le asegura chamba y proyección al menos por un par de años más.

La cinta es visualmente buena y sobre todo atractiva, ya que integra elementos que atrapan al público al que está dirigida como por ejemplo una buena producción y diseño de imagen, un screenplay, que en 139 minutos logra capturar la esencia de la novela, a pesar de algunas diferencias respecto al libro, y por su puesto el casting que reúne a dos de los actores jóvenes que seguro logran acelerar el ritmo cardiaco de más de tres durante la función.

La banda sonora le fue encargada a Junkie XL, músico contemporáneo que entendió a la perfección el concepto y la idea del director al plasmar en la música la tensión, el drama y el movimiento que el título exigía.

Será hasta dentro de un año más cuando volvamos a escuchar una nueva composición de este artista, la que será el tema principal de “Mad Max: Fury Road”, película que retoma la historia de la legendaria “Mad Max”, película que en los años 80 catapultara a la fama a Mel Gibson.

Al final de cuentas el público tiene la última palabra, pero al parecer la propuesta de Burguer le resultó de maravilla, a diferencia de algunos intentos fallidos de otros realizadores al llevar novelas al cine como “Beautiful Creatures”, “Cirque du Freak: The Vampire Assistant” y “The Mortal Instruments: City of Bones”, de la cual muchos extrañaremos a Lily Collins repitiendo el papel de Clary.
02 Abril 2014 03:00:29
Arañando las paredes
Si alguien le hubiera dicho a Stan Lee hace 56 años que el personaje que recién introducía en la quinceava publicación de “Amazing Fantasy” se convertiría en uno de los grandes íconos de la cultura del cómic además de generar muchos millones de dólares en la actualidad, seguramente hubiera regresado a los dibujos en su restirador sin hacer caso alguno.

Sin embargo, esta historia es ahora una realidad que comenzó a cuajarse hasta convertir a Spider Man en el personaje más rentable de la familia Marvel, empresa que por cierto, apenas hace unos cuantos años cedió parte de los derechos a su creador a manera de agradecimiento por la fortuna que han conseguido amasar gracias su imaginación.

Luego de consolidarse como super héroe, el famoso arácnido saltó del papel a la televisión, en donde hizo su debut en la década de los 70 en una mal lograda serie que fracasó después de transmitir 14 denigrantes capítulos protagonizados por el desconocido Nicholas Hammond.

Afortunadamente el tiempo dejó en el olvido este episodio oscuro de Spider y tocó el turno de Sam Raimi para reivindicar la franquicia con “Spider-Man”, en donde Tobey Maguire no lució como se esperaba, pero tuvo la suerte de que sus compañeros de reparto Willem Dafoe, Kirsten Dunst y James Franco salieron al quite y rescataran la cinta, situación que se repitió en las siguientes dos entregas.

Finalmente y para beneplácito de los seguidores de Peter Parker, Marc Webb tomó las riendas del proyecto en 2012 con “The Amazing Spider-Man”, cinta que le valió repetir en la silla de director para “The Amazing Spider-Man 2”, títulos que rescatan por fin la verdadera esencia del cómic gracias a una estupenda producción y un excelente casting encabezado por Andrew Garfield y Emma Stone.

En esta segunda entrega fueron Pharrel Williams y Hans Zimmer a quienes se les encargó la labor de musicalizar cada brinco del enmascarado, logrando un soundtrack de excelente manufactura a la altura de cada una de las escenas. La banda sonora de este largometraje deja muy claro el talento de ambos compositores, siendo Zimmer uno de los músicos más importantes que actualmente se encuentran activos y que se ha convertido en uno de los consentidos de los realizadores de cintas como “The Man of Steel”, “Batman Begins” y “Angels & Demons”, y bueno, una que otra animación de esas que no valen ni la gasolina que se gasta para llegar al cine como “Madagascar”.
26 Marzo 2014 03:00:14
Llueve sobre mojado
De reciente estreno, “Noah” (Noé)es una de las cintas más esperadas de esta temporada, pero que si bien la producción resulta impecable en cuanto a efectos visuales, musicalización y algunos otros puntos a favor, no niega la cruz de su parroquia y se presenta una cinta de obvia manufactura hollywoodense.

Resulta un poco difícil creérsela a Russell Crowe al verlo interpretar a Noé como un fortachón bueno para los catorrazos que salva a todos los animales del mundo de morir ahogados durante el gran diluvio universal.

En la película participa la excelente actriz Jennifer Connelly, quien después de mantenerse activa en la pantalla grande, al parecer es el primer papel sobresaliente que hace después del doblaje que realizó para “9”.

En la cinta también aparecen los actores Logan Lerman y Douglas Booth, con lo que parece ser plan con maña, ya que en ocasiones la historia parece ser más duna película romántica juvenil muy al estilo de “Twilight”, y eso, ya es mucho decir.

No cabe duda de que los grandes talentos son capaces de personificar cualquier personaje que se les encomiende, y este es el caso de Anthony Hopkins quien ahora encarnó al legendario Matusalén, así como también Emma Watson, que ha demostrado su gran valía histriónica quitándose de encima el “estigma Harry Potter”.

Lo cierto es que a pesar de la gran calidad actoral de Hopkins y Watson, su elegante y refinado acento británico desentona en medio de un ambiente bíblico en el que el caos y la violencia predominaban. Si de elementos visuales que no encajan se trata, bueno, sólo basta mencionar de nuevo a Lerman y Booth, a pesar de las sonrisas nerviosas que provocan durante la cinta a muchas quinceañeras alborotadas.

Para dejar a un lado a los galanes pubertos fuera de lugar y no entrar en temas un tanto más inverosímiles como un grupo de gigantes de piedra constructores, habrá que hacer mención del músico Clint Mansell, autor de la banda sonora de la película y que rescata muchos momentos gracias a una partitura bien intencionada.

Al parecer el director Darren Aronofsky le ha gustado la mancuerna que forma con Mansell, ya que estos dos creativos han trabajado juntos en importantes realizaciones como “Black Swan”, “Requiem For a Dream” y “Pi”, a lo que sólo resta una pregunta por hacer... ¿qué le pasó ahora a Aronofsky si iba tan bien?
19 Marzo 2014 03:00:43
La viuda del Capitán
Sobra decir que la siguiente entrega de la historia del “primer Avenger” es uno de los títulos más esperados de esta temporada en las cines de todo el mundo y por supuesto hay mucho que decir respecto a todo lo que rodea a “Captain America: The Winter Soldier”.

A golpe de vista lo que se puede apreciar en los trailers que han recorrido la red desde hace meses es el rediseño del traje del súper héroe, el cual posiblemente sea uno de los grandes aciertos de los directores Anthony Russo y Joe Russo.

Finalmente fueron eliminadas las barras blancas y rojas y en su lugar le pusieron a Chris Evans un traje mucho más crudo y sobrio, similar al que utilizó en la primera entrega, y que definitivamente fue del gusto de la gran mayoría de los fanáticos de Marvel, quienes todavía tienen los ojos irritados por culpa del azul “chiclamino” en el atuendo del “capi” en “The Avengers”.

Otro punto a favor de la cinta, y por supuesto que es uno de los ganchos mercadológicos, es la participación de Scarlett Johansson quien repite en el papel de Nata-sha Romanoff, mejor conocida como Black Widow, y quien también luce espectacular en un renovado, por así decirlo, traje de combate que hará que nadie note su cambio de look... ah, y también actúa.

La exitosa franquicia de Marvel le dará de comer por mucho tiempo a cada uno de quienes chambean para “S.H.I.E.L.D.” y quienes se han ganado el derecho (comercial, por supuesto) de protagonizar su propia cinta como Scarlett Johansson, quien aparecerá en “Black Widow” así como también en “Avengers: Age of Ultron”, lo que se le agradece infinitamente a Paramount.

Por su parte Henry Jack-man fue quien se encargó de la musicalización de la película y quien se inclinó por una partitura de tono un tanto sombrío y trágico, soundtrack que seguramente estará a la altura de cada uno de los fregadazos que le propinen durante la función al súper soldado del escudo.

No es novedad para
Jackman el mundo de los superhéroes, ya que anteriormente trabajó en la banda sonora de “G.I. Joe: Retaliation” y “X-Men: First Class”, aunque no se ha encasillado en estos temas, sino que la variedad en su currículum ha sido notable, ya que ha hecho la música desde películas animadas como “Kung Fu Panda: Secrets of The Furious Five” y “Puss in Boots” hasta algunas cintas de temas mucho más serios como “Captain Phillips” y “The Interview”, esta última a estrenarse a finales de 2014.
12 Marzo 2014 03:00:28
300… y contando
Hay pocas cintas que merecen la pena como para que se le invierta una lana más a la historia y se produzca una segunda parte o una precuela, como está de moda entre los realizadores desde hace años.

Tampoco son muchas las cintas de las que sea conveniente hablar dos veces, tal es caso de “300: Rise of an Empire”, que se ha convertido en una de los títulos más taquilleros de la temporada.

Criticada por su tono frío y sangriento, pero que al final de la función deja a la gran mayoría con un buen sabor de boca por su excelente diseño, magnífica fotografía y original manera de narrar los eventos sucedidos antes, durante y después de la gran batalla de los 300 heroicos espartanos que se agarraron a espadazos con el ejército del “rey-dios” Jerjes.

Es digno de aplausos el trabajo del músico Junkie XL, quien logró una banda sonora impactante muy a la altura de las violentas imágenes que el director Noam Murro propuso para este largometraje.

En ocasiones la música crea el ambiente de tensión que necesita cada una de las escenas y a veces evoca la música árabe de aquellos años, lo que convierte al soundtrack una pieza completa llena de sonidos, acordes y melodías que son dignas de escucharse de principio a fin, aún sin ver la película.

Ya es del conocimiento de muchos la memorable participación de Black Sabbath en la banda sonora de “300: Rise of an Empire”, quienes durante los créditos finales se dejan escuchar con “War Pigs” en una versión renovada y con un arreglo que seguramente los fanáticos del buen heavy metal no podrán dejar de incluir en su colección de música.

Al parecer, en gran parte, es el público femenino el que sorprendentemente esperaba esta “precuela-secuela” por el simple hecho de volver a ver el desfile, o mejor dicho, las batallas protagonizadas por cientos de musculosos espartanos que bien podrían lavar la sangre de sus manos para en seguida firmar contratos con Dolce & Gabanna.

Esta parte de la audiencia parece no haber quedado convencida del todo por el casting que fue encabezado por Sullivan Stapleton quien interpretó a Themistokles y Eva Green, a quien se le encargó el papel de Artemisia, una exhuberante griega que por obras del destino quedó al frente del ejército de Jerjes y por algún otro azar se ha convertido en heroína y musa de muchos de los seguidores de esta excelente y sangrienta franquicia.
05 Marzo 2014 04:00:43
Sin final feliz
Mientras todas las críticas y comentarios están dirigidos a los largometrajes y directores que contendieron en la reciente entrega de los premios Oscar, hay películas en cartelera que, si bien no son dignas de tal reconocimiento, generan su buena cantidad de dolaritos a las casas productoras.

Una de las cintas que crearon mucha espectativa, a pesar de que no se le hizo mayor publicidad previa, fue “Pompeya”, en donde aparece Emily Bowning quien es mejor recordada por su papel de Babydoll en la memorable “Sucker Punch”.

Comparte créditos con el actor mundialmente desconocido Kit Harington y Carrie-Ann Moss, quien encarnó a Trinity en “The Matrix”, y que pasa inadvertida cuando intrepreta a cualquier otro personaje.

Esta es una cinta basada en hechos reales, así que platicar el final no implica ningún spoiler, ya que todos conocen el trágico desenlace de los habitantes de esa ciudad de la penísula itálica del año 79 de nuestra era, pero lo que sí es digno de mencionar es el tono exageradamente cursi con el que se manejan los últimos minutos de la cinta, que parecen hacer una referencia involuntaria al melodramón por excelencia de “Titanic”.

Es una buena producción en cuanto al diseño, la fotografía y los efectos visuales, que al final es lo más rescatable de las casi dos horas que dura la función, bueno, también merece la pena ver de nuevo en la pantalla grande a Browning.

La banda sonora en ocasiones termina siendo lo más rescatable en una mala película, pero en este caso se queda muy por debajo de la parte visual que es muy buena, ya que Clinton Shorter, compositor de la música de la cinta, se encargó de elaborar un soundtrack por demás aburrido y repetitivo en donde la misma melodía se escucha una y otra vez durante la película, cual tormento chino.

Al final de todas las cuentas, “Pompeya” es una película dominguera, de esas que ayudan a pasar una tarde sin otra cosa mejor que hacer y cumple con su función de entretener a la audiencia, claro está que el público no soporta un “melodrama histórico” dos veces el mismo año.

Así que sólo nos resta esperar que al director británico Paul W.S. Anderson no se le antoje de nuevo hacer cintas de esta clase y se dedique a las historias de zombies, como las tres que ha producido en la saga de “Resident Evil”, más la sexta entrega a estrenarse en el 2015.
25 Febrero 2014 04:00:27
Jolines, las brujas
Desde hace siglos la Península Ibérica ha sido escenario de muchas historias que hablan sobre duendes, hadas y brujas, siendo estas últimas, personajes que los directores de cine hollywoodense han adaptado y rediseñado de manera “halloweenesca” por fines comerciales.

Después de rescatar algunos títulos sobre brujas como “The Blair Witch Project” y “The Craft”, aparece en escena el director Álex de la Iglesia para romper con muchos esquemas y estereotipo con una propuesta en la que mezcla el género de la comedia con una especie de “soft gore”, dando como resultado “Las Brujas de Zugarramurdi”.

La historia lleva al público a lo largo de una persecución que comienza en la famosa Plaza de Sol en Madrid y hasta llegar al pueblo de Zugarramurdi en Navarra, lugar conocido desde antaño por ser “tierra de brujas”.

El director originario de Bilbao, España, retrata uno de los muchos aspectos de la vasta cultura popular del País Vasco al adaptar una leyenda local que habla de la celebración de aquelarres en las cuevas de la localidad en donde las brujas se reunían con el mismísimo chamuco.

La banda sonora corrió a cargo del músico Joan Valent, quien parece ser que se ha encariñado con los temas paranormales, ya que también participó en “Mas Negro que la Noche”, remake de la cinta de manufactura mexicana que en los años 70 erizó la piel de todo mundo. Esta nueva versión que se estrenará en los siguientes meses está protagonizada por Zuria Vega y Adriana Louvier, de quienes podemos esperar buenos decibeles en cada alarido que lancen durante la película.

Por su lado, al terminar la producción de “Las Brujas de Zugarramurdi”, De la Iglesia dirigió “The Confession”, cortometraje que forma parte de un proyecto titulado “Words With Gods” en el que se reunieron siete directores entre los que se encuentran Héctor Babenco y Guillermo Arriaga.

Probablemente “Las Brujas de Zugarramurdi” no será del gusto de la gran mayoría, pero se perfila para ser una de tantas memorables películas de culto en la que dependerá mucho del estado de ánimo en el que se encuentre la gente en el momento de ver la peli, como dicen los cinéfilos allá, en el País Vasco.
18 Febrero 2014 05:00:07
De tripa y moronga
Las grandes batallas épicas han sido contadas en cintas de mucho presupuesto con grandes cantidades de extras y un reparto lleno de celebridades.

Desde los clásicos del cine de oro norteamericano como “The Ten Commandments” en donde vimos a Charlton Heston interpretando a un Moisés que parecía recién salido de un salón de belleza, hasta llegar a la gran guerra que tuvo lugar en la “Tierra Media” que J.R.R. Tolkien narró “The Lord of The Rings”.

Hace ya ocho años que el director Zack Snyder sorprendió al mundo del séptimo arte con la obra maestra titulada “300”, película que platica cómo un grupo de 300 soldados espartanos lideredos por el rey Leonidas hicieron frente al “dios-rey” persa Jerjes y su ejército de extraños personajes que bien pudieron haber formado un circo de freaks.

Ahora Snyder da continuidad a esta adaptación de la exitosa novela gráfica con una muy esperada segunda parte titulada “300: Rise of an Empire”, que a diferencia de las secuelas a las que nos tienen acostumbrados, los eventos de ésta transcurrirán simultáneamente a los hechos acontecidos en “300”, lo que hace mucho más atractivo el guión.

Por lógica algunos actores repiten la interpretación de los personajes que también intervienen desde este ángulo alterno a la cinta original, como Lena Headey como la reina Gorgo, Andrew Tierman como Ephialtes mejor conocido como “el jorobado traidor” y Rodrigo Santoro, actor brasileño que al menos en este hemisferio del planeta pasaría desapercibido de no ser por su excelente caracterización y personificación de Jerjes.

La banda sonora por supuesto no podía ser menos impresionante que su contraparte visual y le fue encargada esta labor a Junkie XL, compositor que colaboró en “The Dark Knight Rises” y “Man of Steel”, películas realizadas por el mismo equipo creativo que en 2006 llevó a la pantalla grande a los espartanos haciendo picadillo a miles de persas enardecidos.

Para felicidad de los rockeros de corazón, en los diferentes trailers que se han proyectado en las salas de cine se puede escuchar “War Pigs”, clásico setentero de Black Sabbath, del cual el mismísimo Ozzy Osbourne seguro estará muy complacido de escucharlo adornar tan artístico destripadero.
11 Febrero 2014 05:00:30
Armándola en grande
Generalmente es en las premiaciones a lo mejor del cine y televisión cuando tenemos la oportunidad de ver reunidas a grandes personalidades del mundo de la farándula, pero es muy poco común ver en el mismo sitio a Abraham Lincoln, Supermán, Shakespeare, Green Lantern, Gandalf, Wonder Woman, Batman y Han Solo.

Fue la marca danesa LEGO quien logró juntar a tanta celebridad y no lo hizo en la mesa del comedor de los niños que gastan el dinero de sus papás en estos juguetes, sino que fue en la pantalla grande con “LEGO: The Movie”.

Se trata de una animación digital excelentemente bien lograda y divertida que rompe con los esquemas tradicionales en cuanto a la manera de plasmar en la pantalla un guión de este género.

Los directores Phil Lord y Christopher Miller comparten exactamente el mismo currículum, ya que han realizado juntos “Cludy With a Chance of Meatballs”, “21 Jump Street” y los 13 episodios de la serie de televisión “Clone High”, haciendo una especie de sociedad creativa que hasta hoy les ha funcionado y que ojalá no conserven por muchos años o pronto empezaremos a ver “pan con lo mismo” en cuanto a las cintas enfocadas al género infantil.

La banda sonora es una obra de la autoría de Mark Mothersbaugh, quien realizó un composición que básicamente enmarca la acción de los personajes que al final de cuentas son el atractivo principal de la cinta.

Dentro de los créditos no sólo se encuentran artistas del doblaje, sino que también hay celebridades como Anthony Daniels y Billy Dee Williams, mejor conocidos por intepretar a C-3PO y a Lando Calrissian en “Star Wars”, así como también y por si fuera poco los actorazos Liam Neeson y Morgan Freeman, quienes aportan a la cinta su gran calidad interpretativa aunque sea con alguna rápida aparición.

LEGO es una empresa fundada en 1934 y que sin duda siempre ha sido exitosa, pero su cumbre comercial la ha alcanzado durante la última década, cosa que les ha valido ganarse un espacio en el mundo de las animaciones, en donde incursionaron con un corto en 2011 para luego presentar títulos más elaborados como “LEGO Star Wars: The Empire Strikes Out” y “LEGO Batman: The Movie – DC Super Heroes Unite”, entre muchos otros títulos más que sumarán “una lanita” más a los nada despreciables 700 millones de euros que la empresa ganó durante el año
pasado.

29 Enero 2014 05:00:16
Y sigue la mata dando
Adaptar novelas clásicas al cine es uno de los recursos mercadológicos más utilizados en las últimas dos décadas por las grandes casas productoras.

Uno de los primeros directores que aventaron la moneda al aire y apostaron por un scereenplay como éste fue sin duda Francis Ford Coppola con “Bram Stoker’s Dracula” (1992), cinta con la que refrescó el aspecto del legendario vampiro transilvano y quitó de la mente de la audiencia la imagen que por décadas Bela Lugosi había instalado en la mente de los cinéfilos de un tipo vestido de frac y al que no se le movía un solo cabello de su lugar.

Pasaron un par de años para que el actor y director Kenneth Branagh retomara este concepto de hacer cine con “Mary Shelley’s Frankenstein”, en donde Robert De Niro se luce como siempre con su interpretación y quien compartió créditos con Helena Bonham Carter.

Y así se pueden mencionar otras tantas películas hasta llegar a la actualidad en donde el realizador Stuart Beattie propone “I, Frankenstein”, la que ojalá nadie considere como una secuela de la historia original, en donde el actor Aaron Eckhart da vida al monstruo en una versión muy al estilo de Kevin Grevioux, productor y escritor del guión, quien es mejor recordado por hacer esta misma chamba en la saga de “Underworld” y por haber interpretado a Raze, el segundo a bordo en el clan de los lycan.

Para esta producción fueron reclutados Reinhold Heil y Johnny Klimek, músicos que se clavaron en una banda sonora meramente orquestal, trabajo que de ninguna manera se demerita, pero que sí deja las ganas de volver a escuchar uno de esos temas de película que hacen inconfundible algún título en el momento que sea y que en ocasiones se incluyen en recopilaciones de soundtracks famosos.

Al parecer todo este asunto de retomar al famoso personaje de Shelley le ha dado un merecido respiro tanto a Grevioux como a todos aquellos que están al pendiente de la guerra entre vampiros y lycans, pero a quienes dejaron tronándose los dedos y con la expectativa de lo que sucederá después de “Unserworld: Awakening”, que al parecer dejó a todos peor que una telenovela en viernes.
21 Enero 2014 04:00:03
Lobo….¿estas ahí?
Podríamos pasar las mismos 180 minutos que dura “The Wolf of Wall Street” repartiendo elogios o críticas sobre el trabajo de Martin Scorsese, Leonardo DiCaprio y la hermosa Margot Robbie, pero es mejor crear un juicio propio respecto a una cinta que resulta tan controversial para el público mexicano, que al parecer se siempre se espanta cuando se narra algún tema con crudeza.

Lo que es un hecho es que esta cinta, basada en la autobiografía de Jordan Belfort está en boca de todos y ha sido nominada en cinco categorías para la siguiente entrega del Oscar.

La banda sonora es una interesante recopilación de canciones que ambientan y enfatizan los pachangones y excesos de Belfort, entre los que se incluyeron “Mrs. Robinson” de The Lemonheads, “Bang! Bang!” de Jo Cuba y como recién levantado de la tumba aparece Billy Joel con “Movin’ Out”.

Mientras tanto DiCaprio todavía seguirá endiosado por mucho tiempo con el boom que ha tenido desde “Django Unchained” y “The Great Gatsby”, el maestro Scorsese no se distrae y prepara ya “Revenge of The Green Dragons”, “The Wannabe” y “Sinatra”, esta última otra biografía del famoso cantante norteamericano en la que seguramente volverán a poner toda su atención quienes otorgan la estatuilla dorada y de la que es por demás hablar del sound-track, ya que son más que obvias las canciones que lo conformarán.

Quienes sí se mantendrán activos después de la fiesta en Wall Street son Jonah Hill, quien se podrá escuchar en “The Lego Movie”, “How to Train Your Dragon 2” y “Sausage Party” dejando claro su talento para el doblaje en las películas animadas; mientras que Margot Robbie aparecerá en “Suite Française”, “Z For Zachariah” y “Violent Talent”.

Al final el elenco se lleva a casa el gusto de haber participado en una película como “The Wolf of Wall Street”, que si bien no es del gusto de todo mundo pinta para convertirse en un clásico del cine
hollywoodense del que dificilmente alguien se mantendrá ajeno a dar alguna opinión a favor o en contra.
14 Enero 2014 05:00:43
Líbranos de las comedias gringas
En la década de los 80 el cine logró sobrevivir al bombardeo de comedias norteamericanas para público de IQ de dudosa efectividad como “Porky’s”, cinta de 1982 de la que todavía tuvimos que soportar “Porky’s II: The Next Day” y “Porky’s Revenge”.

Sin duda fueron los peores años del género, aunque hubo algunos títulos que hicieron honor a este rubro del séptimo arte, entre ellos está “Top Secret”, en donde Omar Sharif dio vida al agente Cedric en una historia realmente divertida, en donde se parodiaban películas famosas de esos años como como “The Blue Lagoon”.

Con la llegada de la década de los 90 y los asombrosos efectos visuales hubo una marcada pausa por parte de las casas productoras en cuanto al género de la comedia, y fue entonces cuando los cineastas afortunadamente tuvieron que apostar por un humor mucho más inteligente al que nos habían acostumbrado por mucho tiempo y un claro ejemplo de esto es “Forrest Gump”, película ganadora de seis premios Oscar con la que Tom Hanks se consolidó en Holywood
como actor de primera y en la que también el director Robert Zemeckis se libró de la sombra de “Back to The Future”, trilogía que le dio de comer por mucho tiempo.

Un caso parecido de reciente estreno es “The Secret Life of Walter Mitty”, en donde Ben Stiller sorprende por su trabajo como director con lo que por fin deja ver que si ha aprendido algo sobre cine en tantos años de carrera.

La banda sonora de película es básicamente ambiental e incidental, pero en la recopilación que se hizo para el álbum comercial se incluyeron canciones de artistas como Rogue Valley, quienes colaboran con el excelente track “The Wolves And The Ravens”, Dirty Paws que aportó con “Of Monsters And Men” y para colocarse como la cereza del pastel en este soundtrack se incluyó a David Bowie con su icónica “Space Oddity”, pero en una versión sorprendentemente bien
interpretada por Kristen Wiig, coestelar de Stiller en la película, quien hizo esta escena que parece es el mejor momento de toda la historia.

Pero como todo lo bueno llega a su fin y Ben Stiller no dejará a un lado su mina de oro, en los siguientes dos años seguirá atormentando al público con secuelas de comedias chafas como “The Penguins of Magagascar”, “Night ar The Museum 3” y “Zoolander 2”, ni modo, de algo tiene que vivir el hombre.
07 Enero 2014 04:00:18
¿A la diabla o a la mexicana?
Hace ya 15 años que los directores Daniel Myrick y Eduardo Sánchez enchinaron la piel de todo el mundo con “The Blair Witch Proyect”, una propuesta de cine de terror, por decirlo de alguna manera, en “primera persona”.

Esta cinta que narra la desaparición de tres videoastas en un bosque de Maryland seguramente asustó aún más a las grandes casas productoras, ya que esta producción independiente que costó tan sólo 35 mil dolaritos recaudó la nada despreciable cantidad de 248 millones de billetes verdes.

Existe una secuela de esta historia que confirma la teoría que dice que no existen buenas segundas partes y de la que lo único rescatable fue la participación de Queens of The Stone Age con “Feel Good Hit of The Summer” y Marilyn Manson con “Disposable Teens”.

Algunos realizadores han seguido el estilo de hacer cine de terror con una cámara controlada por los mismos actores para hacer que el espectador prácticamente se sienta dentro de la acción como en “Cloverfield” y la memorable “Paranormal Activity”, siendo la segunda un éxito en taquilla y logrando también mucho dinero con poca inversión en la producción.

A esta franquicia se suman ya cuatro títulos más, siendo el de más reciente estreno “Parnormal Activity: The Marked Ones”, cinta en donde el director Christopher Landon ajusta con calzador una historia alterna a la línea original, en donde el chamuco hace de las suyas en medio de una comunidad latina en los Estados Unidos.

Durante este año, sin una fecha confirmada para su estreno, será llevada a la pantalla grande la quinta entrega de la saga en la que se retomará el estilo de “cámara en mano” y el tema de la posesión demoníaca, los ritos ocultos y el fenómeno del poltergeist.

Queda en el aire el resultado final de esta cinta debut de Gregory Plotkin, quien es la primera vez que ocupa la silla del director, pero que si puede presumir de estar involucrado en la tercera y cuarta parte de la serie, así como también en esta última titulada en México como “Los Señalados”, que bien pudo haberse llamado “Una Terrorífica Historia Sobre Chicanos”, en donde dan más miedo los malandros que se aprecian durante la función que el mismo “patas de cabra” haciendo de las suyas.
31 Diciembre 2013 04:00:21
Honor a quien honor merece
Algunas personas brillan por su “linda sonrisa”, otras de plano pasan sin pena ni gloria por esta vida y algunas son recordadas por sus logros. Pero sólo unos cuantos son verdaderas piezas clave en la historia de la humanidad puesto que sus acciones, ideales y temple lograron mover a las masas y lo seguirán haciendo por muchas generaciones más.

El director Justin Chadwick se aventuró a darle vida a la cinta “Mandela: Long Walk to Freedom”, cinta en donde narra la historia de este distinguido
sudafricano.

La película lleva al espectador a lo largo de la vida del primer presidente sudafricano elegido de manera democrática, desde su niñez hasta los hechos políticos que lo llevaron a permanecer en la cárcel por 27 años.

En esta producción es Idris Elba es quien se luce con la interpretación de tan conocido personaje, cosa difícil de lograr si se toma en cuenta que el público lo identifica por su actuación en películas como “Pacific Rim”, “Prometheus” y “Thor”, esto malamente lo catalogaba como un actor de cintas de acción y aventura.

En cuanto a la parte musical de esta película histórica, le fue encargada la labor a Alex Heffes, quien a pesar de su largo currículum en el mundo del cine y su excelente trabajo en esta producción, fue el irlandés Paul David Hewson, mejor conocido como Bono, quien le dijo a Heffes “quítate, que ahí te voy”, ya que durante el mes de noviembre U2 comenzó a circular por la red el video del sencillo “Ordinary Love”, track que forma parte de la banda sonora.

Como todo mundo sabe, no es la primera vez que la banda irlandesa participa en el cine, aunque ya tenían tiempo de no hacerlo con una canción inédita.

Los autores de “With or Without You” fueron invitados a participar en las cintas “Lara Croft: Tomb Raider” en donde incluso comparten créditos con Angelina Jolie en el video de “Elevation”, así como también en la controversial “Vanilla Sky” en la que participan con la memorable y un tanto nostálgica “Wild Honey”, entre otras participaciones en el séptimo arte.

Es imposible hablar de U2 y cine sin recordar “Rattle And Hum”, uno de los mejores documentos musicales que se hicieron en la década de los 80, estilo de película-crónica que se retomó en “From The Sky Down”, producción de 2011 que presentó versiones acústicas de “One” y “Love is Blindness”, ésta última interpretada por “The Edge” en solitario.
24 Diciembre 2013 04:00:23
Disney, fábrica de refritos
Las diferentes fiestas que se celebran durante el año marcan la pauta en cuanto al género de animaciones dirigidas principalmente al exigente público infantil, al que en estos tiempo no se les puede vender cualquier película con chistes sistemáticamente repetitivos como los que constantemente se vieron en “Ice Age” y en la aburridísima serie de “Madagascar”.

Los estudios Disney no brillan por ser autores de sus propias historias, sino por adaptar a la pantalla grande en versión de caricatura gringa los famosos cuentos para niños como “Peter Pan” de James Matthew Barrie, “Schneewittchen”, cuento mejor conocido como “Blancanieves y Los Siete Enanos”, de la autoría de los hermanos Grimm y con el cual la casa de Mickey Mouse en 1937 se estrenara en el mundo de las cintas animadas.

Para no peder esta “creativa” costumbre Disney apostó en esta temporada de fin de año por “Frozen”, adaptación del cuento “Snedronningen” de Hans Christian Andersen, mejor conocido por su título traducido en región 4 como “La Reina de las Nieves” y el cual fue publicado por primera vez en 1845.

En cuanto a la parte musical, le fue encargada a Chistophe Beck la labor de componer la banda sonora de esta película, lo cual deja abierta la duda de si este trabajo se hubiera realizado de mejor manera por otro músico que tuviera un background más constante en el mundo de las animaciones, ya que Beck se ha enfocado a cintas de otros géneros como “Runner Runner”, “Burlesque” y “The Hangover”, entre otras tantas producciones que no tienen nada que ver con caricaturas.

“Sleeping Beauty” es otra historia que Disney Pictures retomará en 2014 con el estreno de “Maleficent”, en donde se relatan los eventos desde el punto de vista de esta villana por excelencia de los cuentos de hadas y que será personificado por Angelina Jolie.

Quien ha sido uno de los actores a los que mejor le ha ido con tanta secuela de cuentos infantiles es Johnny Depp, quien participa en “Pirates of The Caribbean: Dead Men Tell no Tales”, quinta entrega de la saga, y “Alice in Wonderland 2”, en donde ojalá Depp ahora haga lucir al Mad Hatter como un loco en una tierra desquiciada y no como un Jack Sparrow psicodélico.
17 Diciembre 2013 05:00:10
Enormes y célebres lagartijones
Cual botarga de Barney mal hecha y con unos movimientos casi tan terroríficos como los de Paulina Rubio bailando, se dio a conocer en 1954 “Gojira”, cinta nipona que narra la historia del enorme reptil mejor conocido en este lado del planeta como Godzilla.

Esto marcó el inicio de un boom cinematográfico en el que los grandes monstruos fueron los protagonistas de las historias del género de sci-fi.

Después de años de soportar malas versiones e incluso una malísima caricatura ochentera, Godzilla reapareció una vez más en el cine en una desangelada versión, en donde definitivamente el soundtrack fue lo más rescatable de toda la producción, en donde Puff Daddy interpreta “Come With Me”, track en donde aparece Jimmy Page con el famoso reef que utiliza con Led Zeppelin en “Kashmir”. Al parecer, y de una buena vez por todas, se le hará honor al nombre de tan célebre lagartija en la película que se estrenará en 2014.

También han trascendido en el tiempo figuras como el Kraken, que apareciera en “Clash of the Titans” en su versiones de 1981 y de 2010 al igual que muchos otros seres salidos de diferentes mundos, infiernos y mitologías, como los dragones.

Y es justo uno de estos enormes reptiles quien se vuelve el centro de la trama en “The Hobbit: The Desolation of Smaug”, que aunque no aparece en gran parte de la cinta, es el tema en todo momento entre los enanos, elfos y hobbits que encabezan la lista de créditos.

Fue el actor Benedict Cumberbatch quien prestó su voz al enorme dragón que resulta uno de los más, si no es que el mejor logrado personaje de esta clase en el cine. Con una personalidad perfectamente definida, un diseño espectacular y la excelente animación convierten a Smaug en toda una celebridad de la pantalla grande.

La banda sonora es otro elemento importante dentro del desarrollo de la cinta, ya que desde la trilogía de “The Lord of The Rings” algunas melodías sirven para identificar a algunos personajes en específico, como por ejemplo la “amable” tonada que retrata la vida en Hobbiton, la rola “oscura” que se escucha al adentrarse la toma en Mordor y las “místicas” notas musicales de los elfos que no sólo sorprenden por su gran sabiduría y grandiosas ciudades, sino que gracias a Legolas, interpretado nuevamente por Orlando Bloom, ahora también sabemos que los elfos, aún con varios kilos de sobra, pueden andar de rama en rama matando orcos... mejor dicho, de árbol en árbol.
10 Diciembre 2013 04:00:19
Run Phillips, run!
Muy aparte de cualquier película terrorífica sobre posesiones demoníacas o espíritus que regresan del más allá, la historia real de la humanidad parece relatar cuentos aún más escalofriantes que en verdad enchinan la piel.

En el cine se han retratado infinidad de eventos verídicos y trágicos como en “Black Hawk Down”, en donde un grupo de soldados norteamericanos viven una pesadilla en carne propia cuando prácticamente se convierten en presas del pueblo somalí, al ser derribado su helicóptero en medio de cientos de muy bien armados y enardecidos morenazos.

Otras cintas que tocaron fibras muy sensibles fueron sin duda “World Trade Center”, versión comercialota de un evento que cambió el rumbo de la economía mundial, en donde Nicolas Cage interpreta a un bombero neoyorkino; y por último el clásico de Al Pacino “Dog Day Afternoon”, largometraje setentero, donde se retrata un violento y frustrado asalto bancario, por cierto me niego rotundamente a hablar sobre “Titanic” como una cinta histórica.

Ahora Tom Hanks es quien se pone en los zapatos, o mejor dicho, en el uniforme del capitán del barco mercante Maersk Alabama en la cinta “Captain Phillips”.

La trama se desarrolla en aguas internacionales a pocas millas de las costas somalíes, en donde un pequeño grupo de piratas que poco tienen que ver con Jack Sparrow y Hook, se convierten en los primeros malandros en robar un barco estadounidense en más de 200 años, cosa que por su puesto fue como una patada en la espinilla presidencial del tío Sam.

El soundtrack corre a cargo del compositor inglés Henry Jackman, trabajo que pasa sin pena ni gloria durante los 134 minutos que dura la angustia de Hanks y el resto de su tripulación.

Es notable el trabajo de este actor norteamericano quien ya ha sido galardonado en dos ocasiones con el Oscar por su trabajo en “Philadelphia” y “Forrest Gump”, en donde forma parte de todos y cada uno de los eventos importantes del mundo moderno, cosa que no está fuera de la realidad si se toma en cuenta que es el actor que participó en “Bachelor Party”, icono de las comedias ochenteras; “The Da Vinci Code” y “Angels & Demons”, cintas con la que se echó encima al Vaticano, y por su puesto “Toy Story” en sus tres entregas, y la cuarta que ya ha sido anunciada oficialmente por Pixar y los estudios Disney, con la que Tom también se adueñó del público infantil.
03 Diciembre 2013 04:00:15
La hija sangrona de Stephen
Hay historias que quedarán grabadas en la mente de la gente por varias generaciones y que desde hace años han provocado pesadillas a muchos cinéfilos.

Uno de los grandes responsables de tanto mal sueño durante la década de los 70 es sin duda el escritor norteamericano Stephen King, autor de bestsellers de aquellos años como “Salem’s Lot” y “The Shining”, siendo esta última protagonizada en el cine por Jack Nicholson.

Hay historias que trascienden por muchos años y se mantienen vigentes gracias a que algunos productores apuestan por nuevos actores, cineastas y por supuesto en que ciertas historias resulten atractivas a la vista del público actual, que está tan acostumbrado a las cintas llenas de efectos visuales o batallas épicas.

Este año regresó a la pantalla grande “Carrie”, primera historia publicada en 1976 por el llamado “Maestro del Terror” y que lo dio a conocer en todo el mundo.

En la cinta aparece Chloë Grace Moretz, quien se perfila para ser una de las grandes estrellas en este género cinematográfico, quien diera la gran sorpresa con su interpretación de Abby en “Let me In” y ahora con este papel de la niña con poderes telequinéticos que sufre de tremendo bullying en la escuela.

El músico Marco Beltrami fue el encargado de musicalizar este cuento de terror, autor a quien también le inspiraron los no muertos correlones de “World War Z” y los espectros chocarreros de “The Woman in Black”.

En esta película, que principalmente habla sobre los poderes desconocidos de la mente humana, también se tocan temas un tanto más polémicos como la religión en su versión más
torcida.

Comparte créditos con Moretz la actriz Julianne Moore, quien demuestra el callo que le han dado los tantos años en la actuación al encarnar a la madre súper mocha de Carrie y que es, digamos, el origen de toda la trama que culmina con tanta calaca.

A pesar de que Moore ha permanecido activa no ha se ha escuchado hablar mucho sobre ella, ya que en recientes años ha participado en producciones que no han logrado el éxito esperado, situación a la que seguro pondrá remedio al encarnar a la presidenta Alma Coin, personaje que aparece en las dos partes “The Hunger Games: Mockingjay”, con las que concluye esta multimillonaria franquicia.
26 Noviembre 2013 04:00:07
Muertos, pero no de hambre
Históricamente en el séptimo arte se ha ilustrado el tema del posible futuro de la humanidad y las consecuencias de todas las estupideces que actualmente la gente hace con el planeta y su misma especie.

En 1973 Charlton Heston y Leigh Taylor-Young protagonizaron “Soylent Green” una de las cintas más impactantes de esos años por el polémico guión que relataba cómo en un futuro no muy lejano el gobierno convierte a la gente muerta en una especie de barrita Nutri-Grain la que sirve de alimento para los demás.

De la misma manera se ha intentado retratar todas las atrocidades que la gente sería capaz de hacer con tal de sobrevivir a la destrucción del planeta o simplemente por conservar el poder o una utópica calidad de vida, tal y como recientemente se mostró en “Oblivion” y “Elysium”, cintas en donde Tom Cruise y Matt Damon echan por la borda los planes de una “sociedad ideal”.

Para no quitar el dedo del renglón, el director Gary Ross llevó a la pantalla grande en 2012 la primera parte del bestseller “The Hunger Games”, precuela de la cinta de reciente estreno dirigida por Francis Lawrence que también lleva el título original de la novela “The Hunger Games: Catching Fire”, película en la que
reaparecen Josh Hutcherson en el papel de Peeta Mellark y Jennifer Lawrence que repite el rol de Katniss Everdeen.

Como ya es de conocimiento de todo el público, la historia se desarrolla en un futuro, digamos post apocalíptico, en el que el presidente-dictador Snow distrae la atención de la población de manera estratégica con una especie de circo romano high tech... así, tal cual sucede con el futbol en México.

En este largometraje el soundtrack es una pieza fundamental en el desarrollo de la trama, que ya de por si es bastante larga con una función de casi tres horas, pero aún así el desarrollo es ágil y ameno para los espectadores, resultado de una buena fusión entre un excelente screenplay y un buen soundtrack.

Podemos hablar de dos bandas sonoras para esta producción: la compuesta por el músico californiano James Newton Howard y la recopilación comercial conformada por Coldplay, The Lumineers y The National, entre otros.

La película recaudó 161.1 millones de dólares, tan sólo en el fin de semana de su estreno, un rotundo éxito de taquilla que definitivamente asegura que ninguno de los actores pase hambre jamás en su vida.
19 Noviembre 2013 04:00:09
Thor y sus ricitos de oro
Después de hacer esperar tres años a los seguidores del dios del rayo y a las millones de mujeres que admiran a Chris

Hemsworth, llegó a la pantalla grande “Thor: The Dark World”, presumiendo larga cabellera rubia cual anuncio ochentero de champú Caprice.

Pero no toda la parte del atractivo visual está dirigida al público femenino, ya que en los créditos de la cinta aparece nuevamente Natalie Portman, quien repite en el papel de Jane Foster, o mejor dicho, el “talón de Aquiles” de Thor.

Durante la historia el super héroe salva al mundo como es de esperarse, pero lo que sí es para sorprenderse es el diseño de arte y los efectos digitales que dejan a más de uno con la boca abierta.

Se trata de una buena producción que cumple con el objetivo principal del séptimo arte que es el de entretener, concepto que tiene muy claro Alan Taylor, director de la cinta.

Una de las participaciones más sobresalientes es sin duda el trabajo realizado por Patrick Doyle, quien dio forma a la banda sonora de la película dándole un tono épico y un tanto dramático, cosa que encaja perfectamente en un ambiente tenebroso y exótico como Asgard y las soleadas avenidas norteamericanas, mientras son convertidas en pinole por los villanos.

El trabajo de Doyle se ha podido escuchar en cintas del género de aventura y fantasía que fueron en su momento grandes éxitos en taquilla como “Eragon”, “Harry Potter and the Goblet of Fire”, “Rise of The Planet of the Apes” y por supuesto la primera entrega dedicada a Thor.

El músico ha sido reconocido por sus composiciones de corte clásico, ya que este es su verdadero origen artístico y que deja en evidencia con el soundtrack de las cintas “Hamlet”, “Indochine” y “Henry V”.

La lista de grandes realizadores con los que Doyle ha colaborado crece cada año a la par de su cuenta bancaria personal, ya que ha tenido la certeza de aceptar trabajar con Ang Lee, Brian de Palma, Alfonso Cuarón, entre otros, directores que prácticamente aseguran el éxito en las salas de todo el mundo.
01 Octubre 2013 03:00:01
Los marcianos llegaron ya
Ya es prácticamente cosa de todos los días ver películas sobre alienígenas destruyendo toda clase de vida en el planeta Tierra y ver cómo los monumentos famosos del mundo y las grandes capitales son devastadas en cuestión de minutos.

Una de las cintas más recordadas es seguramente “Independence Day” de 1996, producción con la que Will Smith puso punto final a su personaje en “The Fresh Prince of Bel Air” para un año más tarde repetir la dosis “anti alien” en “Man in Black”, de la que habría también dos secuelas y un cortometraje.

Hay actores que son iconos del cine de ciencia ficción y aventura como Harrison Ford, quien después “Star Wars: Episode IV” trabajó en algunas cintas del género como “Bladerunner” y la malísima “Cowboys & Aliens”.

Al parecer Ford se sacará la espina de este pésimo “western-sci-fi” con “Ender’s Game”, uno de los estrenos de la temporada de fin de año que promete ser de los más taquilleros del otoño.

La película fue musicalizada por Steve Jablonsky, quien también escribió la partitura para “Transfomers: Age of Extinction” a estrenarse en 2014.

Por su parte Ford continuará con los éxitos asegurados durante algunos años más, ya que forma parte del aún no confirmado reparto definitivo de “Star Wars: Episode VII” además de compartir créditos con Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Mel Gibson, Antonio Banderas, Wesley Snipes y Milla Jovovich en “The Expendables 3”, otro churro de película que inexplicablemente cuenta ya con sus buenos seguidores.

Finalmente existirán siempre cintas que sobrepasan la categoría de “palomeras” que por ser tan malas muchos pseudointelectuales las consideran como buenas y se atreven a incluirlas en el género de la ciencia ficción hasta convertirse increíblemente en películas de culto como “Killer Klowns From Outher Space” y “Codependent Lesbian Space Alien Seeks Same”, por muy ridículos e inverosímiles que resulten los títulos, son producciones reales que lograron captar la atención de un público específico como ésta última, que incluso forma parte de la selección oficial en el Sundance Film Festival, como dijera Robert L. Ripley: “believe it or not”.
24 Septiembre 2013 03:00:20
De peluche para la niña
Son contadas las ocasiones en que a muy temprana edad algunos actores y actrices de reparto interpretan a un personaje que sobresale notablemente y enamora al público con increíble facilidad.

En 1993 fue Anna Paquin quien logró tener en sus manos el codiciado Oscar a sus escasos 11 años de edad por su impecable actuación en “The Piano”, cinta en donde compartió créditos con los actorazos Holly Hunter, también ganadora de la estatuilla dorada en ese mismo año, y Harvey Keitel, quien al menos tuvo el gusto de ser nominado en esa ocasión.

Pasaron casi dos décadas para que este fenómeno se volviera a dar con la actuación de Quvenzhané Wallis quien a los 9 años se convirtió en la actriz más jóven en ser nominada para recibir el reconocimiento de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences por el trabajo que realizó en “Beasts of The Southern Wild”.

Wallis sorprendió al mundo entero por su excelente calidad histriónica con el papel de Hushpuppy y enseguida los reflectores apuntaron hacia ella, dando como resultado su participación en el corto “Boneshaker”, las cintas “12 Years a Slave”, “The Prophet” y “Annie”, siendo estos dos últimos títulos algunos de los que se verán en las carteleras durante 2014.

En la película de reciente estreno “No se Aceptan Devoluciones”, escrita, dirigida y protagonizada por Eugenio Derbez, debuta como actriz Loreto Peralta, quien probablemente sea una de las revelaciones más importantes del año en el séptimo arte de manufactura mexicana.

La novel actriz nadicada en México, no tiene más currículum que este título, pero al parecer es un atinado descubrimiento por parte del “Lonje Moco”, quien realizó un buen trabajo en cuanto al guión y el screenplay de esta historia que lleva a la audiencia desde La Quebrada en Acapulco, Guerrero, hasta los estudios de cine en Los Ángeles, California.

En cuanto a la banda sonora se refiere, el trabajo le fue encargado al compositor italiano Carlo Siliotto, talentoso músico y “multirrequerido” por los productores de televisión, pero, tratándose de una cinta dirigida principalmente para un público mexicano, no es de sorprenderse que le reditúe mucho más Derbez el tema de los créditos finales de la cinta, interpretado por Benny Ibarra, que el mismo soundtrack, siempre y cuando no se le ocurra vestir al músico con algún saco de peluche naranja.
10 Septiembre 2013 03:00:28
Hay de Cullen a Collins
Al parecer la audiencia no extrañará ver en la pantalla grande espectaculares peleas entre vampiros, hombres lobo, demonios y demás personajes salidos del inframundo cual político tabasqueño, ya que recientemente fue estrenada “The Mortal Instruments: City of Bones”, la que en teoría es la primera entrega de la saga.

La cinta como muchos saben, está basada en el bestseller de la autoría de Cassandra Clare, publicado en la tierra del tío Sam en 2007, desde entonces la escritora ha dado continuidad con “City of Ashes”, “City of Glass”, “City of Fallen Angels”, “City of Lost Souls” y próximamente con “City of Heavenly Fire” y tres precuelas, que si la franquicia tiene el éxito en el cine, los productores seguramente no dudarán en llevarlas también a las salas
cinematográficas.

De corta carrera aún, pero de paso firme en el mundo de la farándula, Lily Collins, hija del famoso músico inglés Phil Collins, es quien encabeza los créditos protagónicos junto con Jamie Campbell Bower, actor que repite la historia de Robert Pattinson al salir de las filas de la serie dedicada a Harry Potter, para dar el enorme brinco hacia la fama mundial con una cinta sobre personajes salidos del mismísimo inframundo.

Por su puesto que se debe guardar la debida proporción para que la comparación entre Campbell y Pattinson valga, ya que al “cazador de sombras” se le dio un papel de tono un tanto más oscuro, inteligente y mucho menos puberto a diferencia del ridículo vampiro que brilla con la luz del sol como si fuese un hada del bosque.

Después de que afortunadamente pudimos verle el fin a la melosa y predecible historia de amor de Edward Cullen y Bella Swan, las productoras no podían dejar vacío este nicho de mercado cinematográfico, por lo que “sacaron el as de la manga” y lograron mantener cautivo al público juvenil con “Cazadores de Sombras”, como se tituló la cinta en nuestro país.

Actualmente se encuentra en producción la secuela de “The Mortal Instruments”, la que llevará el mismo título que la versión impresa: “City of Ashes” y en la cual repite el compositor islandés Atli Örvarsson, quien musicalizó impecablemente la primera entrega.

La banda sonora es un tanto clásica y oscura con un tono bastante dramático que en ocasiones deja escuchar coros que incrementan la tensión en las escenas clave de la trama, en general una buena obra musical que deja abierta la posibilidad de escuchar otro buen soundtrack cuando se estrene en 2014 “City of Ashes”.
03 Septiembre 2013 03:00:02
Clásicos atemporales
En 1996 el director Baz Luhrmann llevo a la pantalla grande el clásico de la literatura universal de William Shakespeare originalmente titulado “The Most Excellent And Lamentable Tragedie of Romeo And Juliet”, que, como todos saben, narra la historia de las familias Capuleto y Montesco.

Luhrmann tuvo que soportar los embates de la crítica mundial desde el estreno de la cinta “Romeo + Juliete”, que a pesar de la inconformidad de la película alcanzó una calificación alta entre los cinéfilos del mundo entero.

Uno de los grandes aciertos de Luhrmann fue la parte visual, en la que colocó todos los elementos de este clásico que se desarrolla en el siglo 16 en medio de un ambiente evidentemente atemporal. No sería esta la última vez que se presentara una película de tono similar en los cines, ya que en 2012 fue presentada “Blancanieves”, cinta del realizador Pablo Berger.

Este largometraje fue galardonado con el Premio Especial del Jurado y Mejor Actriz en el Festival de Cine Internacional de San Sebastian en 2012, además formó parte de la selección oficial del Festival de Cine Internacional de Toronto en el mismo año.

Las actuaciones de Maribel Verdú, Ángela Molina y Daniel Giménez Cacho son la cereza en el pastel de esta produccion de ambiente taurino y notas flamencas. La música corre a cargo de Alfonso de Vilallonga, compositor que realizó magnífico trabajo en el que combina estilos y logra una especie de paso doble orquestado con toques de flamenco, cual compleja receta de cocina molecular.

El realizador de la banda sonora también participó en en el documental “Viaje al Corazón de la Tortura” de producción española, “Princesas” del director Fernando León de Aranoa, y “Ayer no Termina Nunca”, esta última cinta fue estrenada en meses recientes en la península ibérica y que pronto se presentará en las carteleras de tierra azteca.
27 Agosto 2013 03:00:27
Los demonios de Wan
Y después de sobrevivir a un verano lleno de super héroes mutantes, westerns refriteados y pitufos aburridos, llega a las salas cinematográficas “The Conjuring”, un refresco visual y mental, al menos para los seguidores del género del terror.

Se trata de una buena cinta que logra que más de uno aviente las palomitas durante varias escenas bien realizadas que combinan el terror psicológico con algo de soft gore, si es que así se le puede llamar a los momentos en que James Wan, director de la película, enfoca la atención de los espectadores en personajes que verdaderamente enchinan la piel.

El boom de este realizador malayo se dio en 2004 cuando presentó “Saw”, cinta que si bien no fue del gusto de toda la audiencia, logró tal éxito que se produjeron siete películas en total que culminaron con un último insano destripadero en “Saw 3D: The Final Chapter”.

Al parecer quien realmente disfruta de esta clase de cintas es Joseph Bishara, compositor del soundtrack de “The Conjuring”, quien ya ha hecho la “maestría” en el género, ya que en 2000 participó en “The Convent”, para continuar en años posteriores con el score de “Night of Demons”, “11-11-11” e “Insidious: Chapter 2”, esta última a estrenarse en la Unión Americana en septiembre de 2013.

Por su parte el director Wan, dejará a un lado los espíritus chocarreros y demonios “ladillosos” para darle forma al guión de la séptima entrega de la saga de “Pan Con lo Mismo”, mejor conocida como “Fast & Furious”, en donde Dwayne
Johnson compartirá una vez más el protagónico junto con Vin Diesel.

Y como es de esperarse, este tipo de actores se cuelgan de lo primero que les funciona y no sueltan el tema hasta exprimirlo al máximo. Diesel además de repetir el papel de Dominic Toretto en la historia de los autos veloces y enojados, también hará lo suyo en “xXx: The Return of Xander Cage”, en donde repetirá la dosis de músculos y mala actuación para todos aquellos a los que les gusten las cintas domingueras, de esas que sería mejor esperar a que algún canal transmitido por cable la incluya en su
programación.
20 Agosto 2013 03:00:55
Made in México
Como bien lo dice la famosa campaña de cervezas, “en México, como en todo el mundo”, será estrenada en noviembre “Gravity” la más reciente producción dirigida por Alfonso Cuarón, cinta con la que el realizador busca posicionarse definitivamente en el mercado de películas hollywoodenses.

No es la primera vez que Cuarón se avienta el paquete de llevar las riendas de un proyecto en el que intervienen varios millones de dólares en su realización y que en 2004 demostró su capacidad para dirigir largometrajes de gran escala con “Harry Potter And The Prisioner of Azkaban”.

Ahora se aleja de la magia y los seres fantásticos para tocar un tema mucho más actual que, aunque ficticio, muestra un posible escenario en donde la doctora Ryan Stone, papel interpretado por Sandra Bullock, se las tendrá que arreglar en medio de la nada para sobrevivir a un terrible accidente durante una misión espacial y a la sonrisa de galán de los años 50 de Matt Kowalsky, personificado por George Clooney.

Quien aparece en los créditos como responsable de la banda sonora de “Gravity” es el músico inglés Steven Price, quien principalmente ha colaborado para proyectos de televisión como el documental “The Mysteriuos Death of Cleopatra” y la película “Angel of Death: The Beverly Allitt Story”, por lo tanto esta será la gran oportunidad del compositor para ser contemplado en el futuro para producciones de mayor importancia.

Por su parte Cuarón sigue dando pasos firmes en el mundo del séptimo arte, ya que recientemente se anunció su participación en el Festival de Cine de San Sebastián en donde se le considera como uno de los contendientes para recibir el Premio Wuaki TV del Público, galardón que otorga la misma audiencia y por el que también compiten “9 Mois Femme” de Albert Duponel, “About Time de Richard Curtis”, “The Face of Love” de Arie Posin y “Fruitvale Station” de Ryan Coogler.

“Gravity” se perfila para ser una de las películas más taquilleras de la temporada de fin de año, ya que meses antes de su estreno ya ha creado gran expectativa por los impactantes teasers y trailers que Warner Brothers Pictures ha liberado en el Internet para robar el aliento de los espectadores.
13 Agosto 2013 03:00:36
El hijo incómodo de Poseidón
Es muy complicado llenar el hueco que dejan las sagas exitosas que en las últimas décadas han abarrotado las salas de cine como lo hizo “Star Wars” en los 80, “The Matrix” en los 90 y recientemente “The Lord of The Rings” y “Harry Potter”.

Ésta última serie acaparó durante 10 años la atención de millones de pubertos y adultos que adoptaron como héroes a los personajes intepretados por Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson.

Quienes siguen por estos mismos pasos, si es que es válida la comparación, son Logan Lerman, Alexandra Daddario y Brandon T. Jackson, quienes encabezan el reparto de “Percy Jackson: Sea of Monsteres”, producción “palomera” a la que cualquiera de esos presuntuosos críticos de cine que “otorgan” calificaciones a las películas de la cartelera, generosamente le daría un 5.

Esta segunda entrega está llena de secuencias con sorprendentes efectos visuales, pero desgraciadamente el abuso de los clichés son un recurso recurrente en el guión y esto provoca que el desarrollo de la historia sea por demás simple y predecible.

El score corre a cargo del compositor canadiense Andrew Lockington, quien no ha hecho mucho ruido aún en el mundo del cine, posiblemente por sus contadas participaciones en otras producciones y por haberse enfocado principalmente en la realización del soundtrack de películas hechas para la televisión como “The House Next Door”, “Left Cost” y “Deadliest Sea”.

Pero no todo pasa desapercibido en este largometraje, que habla de la historia del “hijo incómodo” del dios Poseidón, ya que Alexandra Daddario salva la función y se roba las miradas de los espectadores con su papel de Annabeth, quien muy por encima de su coestelar, es quien lleva las riendas de la trama.

Esta actriz, aunque actualmente no ha firmado ningún contrato para participar en ninguna otra producción, es muy probable que se le vea en un futuro en otros proyectos al menos para la televisión, en donde su cara resulta familiar gracias a “The Sopranos”, “Law & Order” y “White Collar”.

Por su parte Logan Lerman ha tenido más suerte en cuanto a contratos se refiere, ya que en 2014 aparecerá en “Fury” junto con Brad Pitt, y en “Noah” con Emma Watson.
06 Agosto 2013 03:00:05
De Las Vegas hasta Asgard
Son pocos los actores como Woody Harrelson que convencen con su actuación en el papel de un delincuente que asesina a todo mortal que se encuentra en su camino como lo hizo en “Natural Born Killers”, y después causar el mismo efecto al verlo, o al menos escucharlo, en el papel de “Jake”, avechucho animado que aparecerá en “Free Birds” en el otoño.

Harrelson, intérprete del ilusionista Merritt McKinney en “Now You See Me”, es uno de esos contados casos en los que los espectadores “se la creen” de principio a fin en el papel que lo pongan, dejando claro que el éxito va mucho más allá de participar en una cinta taquillera.

Esta película narra la historia de cuatro magos estafadores que son perseguidos por la policía de New York, el FBI, la interpol y que poco faltó que también por sus respectivas
suegras, y que a pesar de ser perseguidos por el mundo entero, salen bien librados cual Stallone en “Rambo”.

Éste es uno de los estrenos importantes de la temporada en el que Harrelson comparte créditos con Henley Reeves, Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo, y por si fuera poco, aparecen también Morgan Freeman y Micheal Caine, quienes se ven envueltos en medio de una relación antagónica llena de diálogos y situaciones inesperadas.

Se trata de una cinta que, como su título “región 4” lo dice, “nada es lo que parece”, ya que la trama hace ver a los buenos como malos o al contrario y al final... bueno, es mejor ver la cinta.

Pero lo que sí es digno de comentar es la banda sonora que compuso Brian Tyler, y que resulta a veces ser mucho más emocionante que las mismas escenas de la película.

El músico puede presumir de haber compuesto el soundtrack de más de 90 títulos entre series de televisión, videojuegos y largometrajes dentro de los que sobresalen los temas realizados para algunos capítulos de la segunda temporada de “Star Treck: Enterprise”, el tema principal de “Call of Duty, Modern Warefare 3”, exitoso lanzamiento de

Activision para las consolas Wii, Xbox 360 y Playstation 3, y para cerrar 2013, Tyler metió su cuchara en “Thor, The Dark World”.

En esta segunda parte de la historia que narra las batallas de un dios del rayo con peinado mejor arreglado que el de la modelo Claudia Schiffer, nuevamente se reunió al reparto que logra captar la atención de público de diferentes generaciones al presentar a Natalie Portman que interpreta a Jane Foster, Tom Hiddleston que encarna al villano

Loki, que milagrosamente sobrevive a los azotones de Hulk en “The Avengers”, el actorazo Anthony Hopkins que encarna al dios Odin, y para beneplácito de las hormonas alborotadas de millones de féminas, el australiano Chris Hemsworth, repite en el rol de Thor, así como también en “The Avengers: Age of Ultron” para 2015, y por si acaso las fanáticas aún no se han hastiado con el fortachón, también aparecerá en “Snow White And The Huntsman 2”, cinta que aparecerá en las carteleras para 2015.
30 Julio 2013 03:00:04
Mutantes vs nipones
Las grandes producciones cinematográficas que llenan las salas durante la temporada de verano convierten a los actores de moda en los héroes de la pantalla grande como Hugh Jackman, quien por sexta vez interpretó al famoso mutante del esqueleto de adamantium en “The Wolverine”, consolidándose como una de las piezas clave en la franquicia de los X-Men.

Por otra parte, algunos actores como Alan Cumming y Vinnie Jones, que interpretaron a Nightcrowler y a Juggernaut respectivamente, han pasado sin pena ni gloria a pesar de que sus personajes brillan con luz propia en las páginas impresas de las tiras cómicas, y de que en el cine sus interpretaciones no hicieron ningún favor a tan conocidos mutantes.

Pero sin duda hay otros artistas, que aunque hayan tenido una aparición fugaz en alguna de las cintas de los X-Men o que seguramente no volverán a ser tomados en cuenta para futuros guiones, han dejado una buena impresión a los seguidores de la saga.

Tal es el caso de Tao Okamoto quien hizo el rol de Mariko en “The Wolverine” y que si bien no presentaba otra habilidad más sobresaliente que la de golpear fuerte, lucir increíble en el típico kimono japonés y sonreír bonito (por si esto fuera poco), su papel es fundamental en el desarrollo de la trama de la reciente entrega protagonizada por Jackman, y que sorprendentemente brinca del anonimato total a la fama mundial al hacer su debut como actriz en esta cinta.

Pero no todos los que participaron en la producción de este largometraje están recién salidos del cascarón, sino que tienen un amplio currículum que avala su participación en este proyecto a la que 20th Century Fox y Marvel invirtieron al rededor de 120 millones de dólares.

El músico Marco Beltrami, compositor de la música de “World War Z”, “Underworld:Evolution” y “Resident Evil”, es una estas talentosas y reconocidas personas que aparecen en los créditos y es justo a él a quien se le encargó la tarea de componer el soundtrack de la película enfatizando las tantas escenas de acción que aparecen durante 126 minutos de un excelente diseño de producción, animaciones sorprendentes y efectos especiales que llevan al espectador al techo de un tren bala nipón que viaja a 500 kilómetros por hora o al centro del genocidio nuclear durante el bombardeo a Nagasaki.

No es ninguna sorpresa que la historia deje al público como “telenovela en viernes”, con la expectativa de lo que seguirá en la línea de tiempo de los alumnos del profesor Charles Xavier, ya que es sabido por todos los fanáticos que la cinta “X-Men: Days of Future Past” se encuentra en plena filmación y que se tiene programado el estreno en 2014.

En esta nueva entrega de la serie reaparecen varias caras conocidas como Ian McKellen interpretando a Magneto; Patrick Stewart como Charles Xavier; Anna Paquin como una más crecida Rouge; Jennifer Lawrence como Mystique (gracias 20th Century Fox); y por supuesto, otra vez Hugh Jackman como Wolverine.
24 Julio 2013 02:59:10
Ni un pelo de tonto
Hay personas que gustan de los thriller para pasar un par de horas al borde de la butaca con los nervios de punta, otros prefieren el sci-fi con temas futuristas o historias envueltas en una tecnología tan avanzada que desconcertarían al mismo RD-D2.

Pero también hay amantes del western, uno de los géneros cinematográficos por excelencia que data de los principios del cine y que en 1903 el realizador norteamericano Edwin S. Porter llevó a la pantalla grande con la cinta “The Great Train Robbery”, película que se considera como la primera de su tipo.

Hubo muchas historias que provocaron un boom de los western durante los años 50 en Estados Unidos, pero sin duda la franquicia que ha sobrevivido a los balazos, críticas y al mismo paso del tiempo es “The Lone Ranger”.

Este verano Armie Hammer se presentó a cuadro como John Reid y su alter ego enmascarado al igual que Johnny Depp quien hizo el papel de Tonto (sin que se malinterprete), pero que bien podría pasar por la versión comanche de Jack Sparrow de Gore Verbinski, director de la película y de la saga de “Pirates of the Caribbean”.

A esta pareja de héroes sin superpoderes siempre se les va a relacionar con la obra titulada “Guillaume Tell” de Gioachino Rossini, pieza musical que actualmente la gente reconoce como el tema principal de las historias del jinete de “Silver” y que curiosamente y lejos de ser una obra escrita para una historia de vaqueros, en realidad se trata de una ópera presentada en 1829 en el Théâtre de l’Académie Royale de Musique de Paris.

A decir verdad esta es la composición más interesante del soundtrack de esta película, muy por encima de la banda sonora compuesta por Hans Zimmer, músico que participó recientemente en “The Man of Steel”.

Por otro lado, quien sigue aprovechando la inercia y sus recientes actuaciones que le han dado fama mundial es Johnny Depp, quien ahora también aparece como productor en los créditos de “The Lone Ranger”, chamba adicional a la actuación que hace que su cuenta bancaria crezca significativamente.

El artista es ahora uno de los actores más solicitados por los directores y las casas productoras, ya que casi siempre garantiza un éxito en taquilla de las películas en las que aparece, tal es el caso de “Edward Scissorhands”, “Corpse Bride” y “Alice in Wonderland”, está última, historia que los estudios Disney darán seguimiento con una secuela ya anunciada por su directiva, pero que aún no han dado ninguna fecha en concreto para el inicio de la producción y mucho menos de su estreno.

Otra franquicia de la que Depp seguirá sacando la billetiza verde es la de “Pirates of the Caribbean”, en donde una vez más interpretará el rol del capitán Jack Sparrow con su ya conocido “mood” de roquero alcoholizado muy al estilo de Keith Richards, legendario guitarrista de los Rolling Stones en quien se basó para la interpretación del capitán del Black Pearl.
16 Julio 2013 03:00:51
Depende del sapo, la pedrada
La gigantesca lagartija escupe-fuego, creada por Tomoyuki Tanaka, mejor conocida como Godzilla ha protagonizado desde 1954 varias películas en donde se enfrenta a criaturas inverosímiles salidas quién sabe dónde, cual “Enmascarado de Plata”.

La serie del personaje se dio a conocer con la cinta que lleva su mismo nombre y desde entonces ha formado parte de la lista de bestias memorables del séptimo arte.

“Gojira”, como originalmente los nipones se refieren al personaje, siempre se ha presentado como un monstruo que sin ningún motivo destroza ciudades mientras cientos de personas corren por las calles.

Finalmente Steven Spielberg justificó un hecho similar en “The Lost World: Jurasic Park” cuando puso a un tiranosaurio rex en las calles de San Diego después de que un grupo de cazadores capturara al animal en una isla
centroamericana.

Ahora es Guillermo del Toro quien toma la estafeta de las historias de súper reptiles que corretean orientales al encabezar los créditos de “Pacific Rim”, que sin duda es la cinta más esperada del verano.

La historia podría ser una especie de flash back de los años pubertos de Del Toro, que seguramente llenó su cabeza con las historias de Mazinger Z y Godzilla para años más tarde, y después de procesar esta información en su licuadora mental, crear este éxito de taquilla que lo consolida como el “maestro” actual del cine de terror y de ciencia ficción.

Durante el largometraje la trama se intensifica al igual que la banda sonora que presenta el trabajo Ramin Djawdi, músico y compositor alemán, que literalmente ha sido extraído por Del Toro del mundo de las series de televisión.

Djawdi es quien ha musicalizado las temporadas de “Breakout Kings”, “Prison Break” y la conocida “Game of Thrones”, donde compuso un score de sonidos clásicos interpretados con cuerdas y del que da un gran salto a las guitarras eléctricas y a los efectos distorsionados para
“Pacific Rim”.

Un compositor versátil encaja perfectamente con un cineasta de las mismas cualidades creativas y es por eso que estos dos artistas de la pantalla grande formaron una buena mancuerna que seguramente se repetirá en un futuro no muy lejano.

Ya está probado el talento de Djawdi en medio de espadas y robots, pero falta escuchar su trabajo en el género del terror que es una de las cartas fuertes del director jalisciense que puede presumir de ser el responsable de películas como “Cronos”, “Mimic” y “Pan’s Labyrinth”, largometrajes que son parte fundamental de su ecléctico currículum.
10 Julio 2013 03:00:11
Simpáticos pixeles
Con la llegada de la temporada de verano también se nos vino encima la oleada de películas dirigidas principalmente a los niños sin importar que estos ya estén pasaditos de las tres décadas.

Las cintas animadas ya no se parecen a lo que fueron hasta hace no muchos años cuando los personajes principales y las historias generalmente eran 100% familiares e inocentes, además de ser visualmente menos elaboradas que las que hoy en día se proyectan en las salas de cine.

Un ejemplo de reciente estreno es “Despicable Me 2”, animación producida por Universal e Ilumination Entertainment, película de manufactura impecable en cuanto a animación, diseño y producción.

La cinta, dirigida por Piere Coffin y Chris Renaud, verdaderamente justifica el dolor de nariz que provocan los lentes 3D después de casi dos horas de película, ya que explota el recurso de manera excepcional.

Como todo proyecto audiovisual de esta magnitud es lógico que la banda sonora sea una parte fundamental para contar la historia y esta labor le fue encargada a Heitor Pereira, músico brasileño que de 1988 a 1996 perteneció a la banda británica Simply Red.

Después de haber participado en la primera entrega de la historia del villano “Gru” y de “The Smurfs”, se le ha encargado a Pereira la labor de musicalizar la segunda parte de ambas franquicias, la segunda a estrenarse en suelo mexicano el 2 de agosto de 2013.

Los directivos de las casas productoras al final de las cuentas se sientan y “hacen números” y apuestan por lo que les resulta más redituable a futuro, y que por supuesto les deje buena cantidad de billetes verdes en las taquillas de todo el mundo al igual que con la venta de toda la parafernalia referente a sus películas en donde muchas veces no son los protagonistas quienes más venden.

Como era de esperarse y justo como ya lo han hecho con personajes secundarios que tuvieron éxito en su momento como Scrat de “Ice Age”, Timón y Pumba de “The Lion King” y hasta con Tinkerbell que antes de “Tinkerbell and The Secret of the Wings” era como el patiño de Peter Pan, ahora se encuentra ya en producción la cinta “Minions”, en donde Universal Pictures empachará a la gente con los simpáticos personajes amarillos que aparecen por cientos en las dos entregas de “Despicable Me”.

En un segundo y posiblemente último aire actoral de Sandra Bullock, la actriz participa en este proyecto en el que prestará su voz a Scarlett Overkill, personaje principal en esta animación dedicada a los empleados y ayudantes de Gru, que tendrá su estreno en 2014.
02 Julio 2013 03:00:51
La dura realidad
De vez en cuando llegan a las salas de cine películas que narran historias realmente aterradoras, llenas de suspenso e intrigas y sobre todo con finales que dejan helados a todos en sus butacas.

Pero no siempre se trata de alguna de las cintas de terror y ciencia ficción como las de Guillermo del Toro o Stephen King, sino historias reales que retratan la vida de personajes de carne y hueso y que sin duda no son envidiados por muchos.

Este será el año en que Naomi Watts ponga a consideración de los cinéfilos su interpretación en la cinta “Diana”, película biográfica que retrata los dos últimos años de vida de la Princesa de Gales después de su divorcio con el príncipe Carlos.

La cinta fue dirigida por Oliver Hirschbiegel, realizador que si bien se ha enfocado a proyectos nada hollywoodenses como “Ein Ganz Gewöhnlicher Jude”, también se ha dado “sus escapadas” a la meca del cine para trabajar con actores como Nicole Kidman con quien hizo “The Invasion”, así como también con Liam Neeson, quien compartió créditos con el director en “Five Minutes of Heaven”.

Y como todo buen drama no podía faltar la banda sonora que intensifique las escenas clave y por su puesto de tema principal a la película. Esta labor le fue encargada a Rachel Portman, compositora de origen británico que lleva ya anotados más de 80 soundtracks en su currículum.

Portman por su puesto que sobresale en el mundo del séptimo arte por su trabajo en cintas como “Chocolat”, en donde Juliette Binoche y Johnny Deep comparten protagónicos, así como también en “The Duchess”, en donde comprobamos que Keira Nightley si puede hacer un papel más interesante que el que interpretó en “Pirates of the Caribbean”.

La compositora del soundtrack de “Diana” ha sido reconocida en varias ocasiones por su labor dentro del cine, pero su más grande galardón lo recibió en 1996 cuando le fue otorgado el Oscar al Mejor Soundtrack de un Musical o Comedia por su participación en “Emma”, convirtiéndose así en la primera mujer en recibir tal premio en el rubro de la música.

Pero no todo en el trabajo de Portman han sido dramas y tramas de época, sino que también se dio el tiempo para colaborar en algunos proyectos para televisión del desaparecido Jim Henson, creador de los mundialmente famosos Miss Piggy y Kermit the Frog, mejor conocido en los países “Región 4” como la rana René.

La película sobre la trágica y nada envidiable vida de lady Di será estrenada en todo el mundo en septiembre de este año y promete ser una de las cintas más taquilleras de esa temporada.
25 Junio 2013 03:00:18
Juguetes, monstruos y demás bichos
Cuando en 1986 el público vio por primera vez en la pan- talla grande a una lamparita que brincaba y jugaba con su pelota, nadie imaginó que en poco tiempo ésta se vería convertida en toda una ce- lebridad en las salas de cine y en el mundo de los cortos animados.

El título de esta animación fue “Luxo Jr.”, nombre del mismo personaje que protagoniza esta pequeña historia escrita, dise- ñada y dirigida por John Lasse- ter, mente creativa responsable de las dos primeras entregas de “Toy Story” y de otros cortos galardonados como “La Luna” y “Paperman”.

Por supuesto que el realizador se apoya en un grupo de gen- te talentosa que aporta ideas e ingenio tanto en la parte vi- sual como en la sonora, tal es el caso de Randy Newman, quien compuso la banda so- nora de “Monsters Universi- ty”, el más reciente estreno de la productora y que también ha colaborado en la primera cinta en donde Boo se gana la atención de todos los es- pectadores por encima de los protagonistas.

En esta cinta de reciente estre- no se narran los eventos previos a cuando Sullivan y Mike, inter- pretados por los comediantes Billy Crystal y John Goodman, se conocen en su época de estudiantes.

El trabajo de Newman forma ya un buen currículum dentro del género animado en donde puede presumir de haber he- cho la música de “A Bug’s Life” de 1988 y en donde aparecen Dave Foley y Kevin Spacey, quienes prestan su voz a un par de hormigas azules, insectos que quizá deban su inusual co- lor para diferenciarse de las que aparecen en “Antz”, en donde famosos como Woody Allen, Dan Aykroyd, Danny Glover, Gene Jackman, Christopher Walken, Sharon Stone, Jennifer Lopez y Sylvester Stallone for- man reparto estelar que literal- mente aplastó a su competen- cia cinematográfica animada de aquellos años.

El realizador Lasseter pasa por un excelente momento en su carrera y no sólo gracias a la famosa pareja de monstruos “asusta niños” con aires reno- vados, sino por los importantes proyectos a los que ha sido in- vitado y que se encuentran en etapa de pre y post producción, de los cuales se pueden men- cionar “Frozen”, cuento de ha- das escrito por Hans Christian Andersen, la cuarta entrega de “Toy Story”, en donde repiten Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack en los papeles de Wo- ody, Buzz Lightyear y Jessie respectivamente, y por último “Planes”, en donde Val Kilmer y Teri Hatcher se “avientan el tiro” de hacer el doblaje de la ya muy “choteada” idea de darle vida a los vehículos que desde 2006 los estudios del “Ratón Miguelito” explotan con Light- ning McQueen y Doc Hudson en “Cars”.


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